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Gensou no Grimgar – Uma fantasia dramática bem diferente | Review

Marco — Wed, 06 Apr 2016 19:00:00 +0000

Ok, comentei do episódio 1 a 4 anteriormente, e agora é hora de um review final. Será que foi bom, mesmo com seus contras?

Review em vídeo:

Nota: O review em vídeo nunca é igual ao escrito. Faço de propósito para eles se completarem. No em vídeo posso trabalhar melhor com exemplos visuais, enquanto o escrito é mais bem estruturado e sucinto.

Sinopse

Várias pessoas aparecem em um mundo fantástico se memorias de seu passado. Agora, terão que caçar criaturas para poder fazer dinheiro, de modo a sobreviver e prosperar nesse mundo. Acompanhamos um grupo que não está se habituando bem a nova situação.

Análise

Esse anime é a coisa mais estranha que já vi em anos. Muito disso é devido a direção dele, que se mostrou bem autoral, fazendo várias mudanças no material original. E quem está se perguntando se isso não é coisa do diretor. Bem, o diretor desse anime era o roteirista, o diretor de som e o diretor geral, ele realmente quis pegar tudo que ele achava importante para ele mesmo fazer, tamanha sua vontade de fazer da obra o que queria.

Quem ler a Novel de Grimgar vai notar que é um misto de Aventura/Ação com Slice ofe Life/Drama. É um meio a meio, mas que no anime virou um 20% aventura/ação e 80% slice of life/drama. Por que? Porque o diretor, como ele mesmo alegou em uma entrevista, queria deixar a obra mais relaxante de se assistir, retirando um pouco da tensão da obra original (genial……). Explicado isso, vamos a análise da história:

Grimgar tem um começo meio enfadonho, após alguns segundos de ação contra um Goblin. O visual bonito e uso constante de bons soundtracks disfarçam um pouco, mas depois de uns 3 episódios você nota que está assistindo algo bem peculiar, que foca mais na vida cotidiana do que na parte de aventura. Isso vai irritar alguns, quando começarem a notar que mais ou menos metade das cenas de slice of life não tem proposito algum fora deixarem o ritmo do anime mais lento/relaxante (como o diretor queria).
O drama, no entanto, quando mais forte, é bom, e causa desenvolvimento aos personagens, mesmo que vagarosamente.

A parte curiosa em Grimgar é notar que corrigir o ritmo era fácil. O anime adapta o livro 1 em 8 episódios, e o livro 2 em 4. Se tivessem feito 6 e 6 teria ficado bem mais ágil a narrativa. Que inclusive perdeu uns momentos bacanas do volume 2, como a invasão dos Orcs a cidade e o 1×1 contra o líder dos Orcs, por conta dos cortes que tiveram que fazer no livro 2 para adaptarem ele em 4 episódios. Não a toa os episódios finais foram bem mais acelerados que os primeiros, e a maioria começou a apreciar mais o anime apartir dai.

Dentre todos os desenvolvimentos o mais interessante e notório é o do protagonista, aprendendo a lhe dar com a perda e sendo obrigado a se tornar um líder, mesmo não tendo dom para isso. E o de uma nova personagem que aparece depois, que tem um trauma a ser superado. A ligação entre ambos cria até um sentimento de romance no anime, que eu não esperava. Na cena final parece meio na cara o que um sente pelo outro.

O encerramento tem seu pros e contras. Por um lado você viu que os personagens evoluíram muito como grupo do começo ao fim do anime. Eles mal conseguiam lhe dar com um goblin a principio, e no final conseguem passar por vários inimigos ao mesmo tempo sem problemas. Fisicamente a mudança foi clara. Nenhum deles virou super/badass, como muitos esperaram (sei lá porque), mas sim, evoluíram bastante. E na parte psicológica, mesmo que lenta até demais, houve a superação de vários conflitos, principalmente no que tange o protagonista e a nova heroína que entra na metade, tendo que superar seu passado.

O final dá uma satisfatória sensação de conclusão. Fizeram inclusive mudanças no original para parecer isso (não tem aquela recompensa no original), aonde eles finalmente se acertam com aquele mundo e resolvem todos os conflitos iniciados no episódio 1, não deixando aquele ar de final aberto com coisas a serem resolvidas.

Parte técnica

Grimgar tem um visual muito bonito, apesar das várias reclamações de terem alterado completamente o design original (tem o exemplo lado a lado na versão em vídeo). Algumas das cenas parecem quadros, graças aos belas cenários estilo pintura e a coloração dos personagens com um uso aquarela.

A animação é até bem fluida e tem peso a principio, mas se perde um pouco depois da metade. As lutas começam a ser unidimensionais, focando em cada personagem individualmente, ao invés de mostrar eles como grupo para dar a sensação de uma batalha grande. E a fluidez cai bastante, até com um uso exagerado de cortes estáticos e design inconsistente. A coisa estava tão feia que a cena final do protagonista contra o boss nem sequer foi finalizada (o que levou muita gente a não entender nada). Recomendo, portanto, a quem não viu, esperar a versão BD, aonde devem corrigir o grosso dos erros e finalizar a animação da última luta.

O uso constante de soundtracks vocais é agradável, mas parece exagerado em algumas partes. Pelo que deu a entender foi porque a produtora queria vender aquele grupo que cantava todas as faixas, o que levou até a algumas cenas estranhas aonde os personagens estão falando mas não escutamos nada por causa da OST cantada por cima. Ela é com certeza bonita, mas seu uso a todo momento é questionável, e, diferente das OSTS emocionais, a OST de batalha acaba não empolgando tanto.

Conclusão

Grimgar acerta em algumas tentativas de inovar no gênero. Mas seu diretor autoral decide que quer fazer do diferencial da obra seu foco principal, e ai a coisa ficou bem discutível, com um excesso desnecessário de slice of life e prolongamento do drama, que tornou a narrativa do episódio 1 ao 8 extremamente lenta. Isso melhora nos episódios finais no entanto, e notar as mudanças que tivemos do começo ao fim, com os personagens superando problemas emocionais e físicos, meio que deixa a jornada valendo a pena – até porque é bem curta (12 episódios). Para quem não tem paciência para animes lerdos eu não recomendo. Mas para quem quer um anime de fantasia bem diferente do normal, talvez valha dar uma olhada nesse aqui. O ritmo da primeira metade da história desanima, mas melhora na segunda, e a sensação quando se termina ele é agradável.

Curiosidade: Esse diretor se diz um amante de pernas. Não que não dê para notar com os ângulos que ele fica usando e a OP com as garotas em colantes mostrando as pernas…..

Direção: 6/10
Roteiro: 7/10
Animação: 8/10
Soundtrack: 9/10
Entretenimento: 7/10
Nota final: 7/10

Quem for olhar minha análise do episódio 1 ao 4 vai ver que a nota subiu bastante na avaliação completa.

Extras

Eu tenho que deixar essa cena porque nunca vou conseguir esquecer dela XD.

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Noein – To your other self (Review)

Marco — Sat, 15 Aug 2015 00:26:00 +0000

O que são o passado, presente e futuro, se não uma questão de perspectiva?

Sinopse

Haruka é uma menina de 12 anos entrando no período de férias de verão. Ela e seu colega, Yuu, começam a pensar em fugir de casa, como haviam prometido um ao outro. No entanto, coisas estranhas começam a acontecer: ela em um momento sente que o tempo “parou” e começa a ver estranhas figuras de capa preta. Aos poucos ela descobre que sua própria existência pode ser a chave para a salvação de outra dimensão chamada La’ Cryma!

Análise

Noein é um desses animes que eu comecei aleatoriamente depois de ouvir elogios sobre um aspecto ainda mais aleatório da obra (no caso, o trabalho de alguns animadores em especifico, já vamos chegar lá). Basicamente, é uma série que eu iniciei sabendo pouco ou quase nada e acabei me surpreendendo bastante. Quer dizer, não é todo dia que você encontra um anime que mistura slice of life com ação, drama e um sci-fi bem pretensioso.

Começando de maneira mais calma, Noein não entrega muito de seu lado mais sério a primeiro momento, os primeiros episódios especificamente tem muito mais foco em apresentar o grupo de amigos de Haruka, a protagonista feminina (especialmente Yuu, que sofre com um relacionamento difícil com sua mãe) do que se centrar na dimensão alternativa, La’ Cryma, e os “invasores” vindos de lá. Não é necessariamente lento, sempre tem algo acontecendo e alguma informação útil acaba sendo acrescentada. Mesmo no grupo da outra dimensão, os Dragon Soldiers, que fica em segundo plano, existe uma movimentação e interação de personagens que é importante. Não é um início ruim, longe disso, mas o ritmo pode afastar alguns.

No episódio 6 os ares da série começam a ficar mais grandiosos, mostrando o que realmente está acontecendo com La’s Cryma e o estado em que a dimensão se encontra: uma terra desolada, com pessoas vivendo no subsolo para fugir da guerra na superfície e que tudo está à beira do colapso. A sensação de urgência acaba crescendo e o porquê dos Dragon Soldiers precisarem da protagonista fica mais concreto. Fora que saber que “nossa” dimensão pode acabar como La’ Cryma também acrescenta tensão ao anime.

AVISO: À partir daqui começam os spoilers leves. Não é nada que eu julgue que vá atrapalhar a experiencia com o anime, mas não digam que eu não avisei.

Muita gente pode imaginar que o fator “outra dimensão” faria a série ser classificada como fantasia, mas a verdade é que o anime está muito mais perto de ficção científica hardcore. A série se pauta fortemente em teorias de física quântica, em especial a que diz que existem infinitos universos que se ramificam conforme as infinitas possibilidades vão aparecendo. Explicando de maneira simples: existem infinitos universos onde o Eixo venceu a Segunda Guerra, onde seus pais não se conheceram, onde o Brasil não foi colonizado por Portugal e assim sucessivamente (lógico que isso não acontece no anime, é só um exemplo). La’Cryma então acaba se revelando com uma dimensão relativamente no futuro em relação a de Haruka, que deu azar e precisa dela para consertar o estrago.

Em resumo, não é bem uma série sobre “invasão de um povo de outro mundo” e sim sobre viagem entre diversas linhas de tempo. Alguns personagens de La’Cryma se revelam como a versão envelhecida dos amigos de Haruka, o que adiciona uma boa quantidade de conflitos interessantes. Os poderes de Haruka (que vão de apenas observar até modificar as dimensões) que ela não controla bem, acabam sendo outra maneira interessante de explorar diversos personagens e situações.

Outro ponto bom da série é deixar as explicações tão complicadas claras para o telespectador casual. Eu não sei dizer até que ponto foi a liberdade criativa do roteiro, mas dentro do universo da série tudo parece bem crível. Muita vezes a ideia de “viagem no tempo” é usada para resolver problemas pessoais dos personagens. Yuu pelo papel na trama (e por colecionar problemas de personalidade) acaba sendo o foco da maior parte deles, mas temos outros como sua mãe tentando superar a crise de inferioridade com a irmã, Haruka entendendo melhor o divorcio dos pais, entre outros. Na verdade, apesar de todo o elemento sci-fi, o anime sempre tenta deixar o clima da série “próximo” do cotidiano (ao menos na linha de tempo atual, em La’Cryma é outros quinhentos). A ambientação da cidade simpática à beira do mar, assim como seus habitantes, é presente até a reta final.

Contrastando com o grupo de crianças amigas de Haruka da “atualidade”, os Dragon Soldiers são todos adultos e protagonizam as partes mais focadas na história sci-fi em si. Talvez por isso não são todos que ganham aprofundamento, mas ainda assim eles nunca dão a sensação de serem “um grupo”: a maioria tem um objetivo, e reage de maneira própria ao contato de uma dimensão tão diferente da sua terra devastada, motivo também para entrarem em conflito entre si. De maneira geral acho que todos os personagens relevantes do anime são suficientemente interessantes, apesar de não haver nenhum extremamente carismático ou aprofundado.

No final a trama principal se fecha bem, apesar de que alguns detalhes nunca explicados darem uma sensação de correria. Por pegar muitos temas universais, como a insegurança e o pessimismo das pessoas quanto ao próprio futuro, fica a sensação que os episódios finais podiam ser um pouco mais longos. Muitos detalhes e “respostas finais” são passados de forma sútil, o que pode não satisfazer alguns. Eu gostaria de um epílogo um pouco mais completo sobre alguns personagens, mas acho que deixar abertura para incontáveis repostas também faz parte da natureza do anime. Apesar de alguns problemas, o final é bom no geral.

Aspectos Técnicos

A animação de Noein é algo que merece uma observação mais detalhada. Primeiro vamos para os pontos fracos, começando com o CG. Noein é uma série de quase dez anos, feito pelo estúdio Satelight. Só com isso você deve imaginar que o anime não envelheceu muito bem nesse ponto, e é isso. Os giros de câmera da casa da Haruka, principalmente, saltam demais ao olhos quando perto da animação dos personagens. O CG por sorte é usado só em objetos que tem um design muito complicado para desenhar em 2D o tempo todo e que são inanimados (em cenas que precisam de um impacto maior, por sorte, tudo volta a ser 2D).

Outra coisa que pode incomodar é o reuso de cenas ao longo do anime (nem a opening escapa!). Na maior parte do tempo são cortes breves, mas tem um episódio que quase parece um recap de tanta reciclagem. É claro que a “viagem no tempo” é uma boa justificativa, mas tem horas que passa dos limites.

Agora quanto ao resto… ai sim.

Noien é uma série que ficou conhecida pela experimentação na animação. Muitas vezes, o character design do anime não revisava ou mudava de episódio a episódio. Isso acontecia de maneira proposital, justamente para manter o estilo dos animadores. Como o esperado, o design de personagens ficava inconsistente pra caramba, mas muitos talentos se destacaram depois de trabalhar na série.

Episódio 2 versus o 3. É DESSE TIPO DE VARIAÇÃO QUE TÔ FALANDO!

Ryo-timo por exemplo (Tetsuwan Birdy Decode, Yozakura Quartet da Tatsunoko) fez uma das cenas mais famosas do anime e ganhou fama depois dela. Existem outros animadores que são mais experientes, Hiroshi Okubo (que faz a cena de abertura), por exemplo, é um dos entrou para a GoHands junto com outros da Satelight. Noein tinha um bom time, e conseguiu equilibrar bem essa gente para que praticamente todas as cenas que cobravam uma animação mais elaborada acontecessem sem problemas. Boa parte da série se mantem mediana, mas todos os climaxes e cenas de ação mais importantes são muito bons. Não é aquilo do “o começo é bem animado e depois só quadro estático’, eles realmente planejaram bem quem faria cada episódio. Enfim, o estilo de animação é um aspecto bem único do anime.

A direção também é boa de maneira geral. Existem episódios que se destacam muito em relação aos outros, mas nenhum especificamente ruim nesse ponto. O saldo acaba sempre positivo. O character é bem simples, quadrado e diferente da maioria dos animes por ai. Provavelmente optaram por essa arte para facilitar a animação (além de permitir muitas “funny faces”). Gostando ou não, é outro diferencial bem forte da série.

A OST cheia de temas orquestrados e coros, principalmente em cenas mais sérias, é outro ponto para se elogiar. Em nenhum momento ela fica deslocada com o anime. Considerando os dois tons do anime que se alteram bastante, isso é um grande feito. A música de abertura pela banda eufonius também é bem bonita, mas acho que a melhor parte dela é ler a letra perto do final do anime e pensar “caramba, tava lá o tempo todo!”.

Conclusão

Noein é uma série que vale muito a pena. Dá para recomendar para quem quer um sci-fi mais “teórico” mas também é leve o suficiente para uma aventura, ainda que também tenha uma boa dose de drama… enfim, é uma série que atinge vários gêneros diferentes. Talvez o começo lento e o design diferente possam afastar um pouco mas mesmo para quem não é habituado a ver esse tipo de coisa recomendo dar uma chance até o episódio seis, pelo menos.

Mesmo com alguns temas bem pretensiosos, o anime passa uma mensagem bem simples: não existe um “futuro” feliz, nós é que estamos felizes com nossa própria vida.

Direção: 8.5
Roteiro: 8.5
Animação: 8
Soundtrack: 8
Entretenimento: 8
Nota Final: 8.5

Abertura:

Processo de animação de uma cena do episódio 12 por Ryo-timo:

Algumas ilustrações que acompanham o BD-Box no Japão (além da capa do post):

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Top 5 Melhores Animes – Slice of Life/Drama NÃO CHATOS!

Marco — Mon, 13 Apr 2015 21:24:00 +0000

Animes sobre vidas cotidianas com alguns elementos extras, que as tornam bem mais interessantes que o normal. Atualizado com vídeo.

Animes focados em vida cotidiana (ou slice of life) costumam ser lentos ou não terem nada que motive o “grande público” a acompanhar a obra por muito tempo, sendo apenas vários episódios narrando a vida pacata e sem grandes emoções de alguns personagens. Pois bem, eu não gosto muito desse tipo de anime, mas isso não quer dizer que não goste de nenhum anime do gênero. Quando adicionado algum elemento extra como desafios relacionados a profissões, mistério ou situações incomuns (como um cara solteiro tendo que aprender como criar uma menina sozinha), a obra pode se tornar muito mais interessante de acompanhar, deixando o telespectador curioso para ver se o protagonista vai conseguir superar os obstáculos da sua vida, realizar seus sonhos ou mesmo se adaptar a situação pouco comum em que se encontra. No geral os animes dessa lista são sobre isso, principalmente os 4 primeiros. São sem duvida sobre “vidas cotidiana”, mas elas não são nada monótonas.

Tema:

Os animes dessa lista são sobre “vida cotidiana” normalmente atrelada a superação, desenvolvimento de personagem e busca pela realização dos sonhos. Hyouka difere um pouco disso mas adiciona mistério para dar um gás extra na história, e a menção honrosa é uma situação bem incomum, então não deve deixar ninguém entediado (eu acho).

Top em vídeo:

Log de edições:
21/08/2015 – Hanasaku Iroha adicionado.
13/02/2016 – Top em Vídeo adicionado.

Top 5 Melhores Animes de Slice of life

Bakuman

Gênero: Slice of Life, Comédia, Drama, Romance.
Diretor: Kenishi Kasai (Nodame Cantabile, Major)

Estúdio: J.C Staff (Sakurasou, Shakugan no Shana)
Episódios: 25 (+ 2 temporadas)
MAL: Clique aqui

Minha nota: 8.5/10
Trailer: [showhide type=”bakuman” more_text=”Clique aqui” less_text=”Esconder”]

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Sinopse:

Bakuman é um mangá criado pelos mesmos autores de Death Note e segue a história do estudante Mashiro Moritaka, um talentoso artista que não sabe o que quer fazer no futuro. Um dia, ele desenha um retrato de Azuki Miho, a garota por quem é apaixonado, e ao ver seu talento, Takagi, um de seus colegas de classe, tenta convencer Mashiro a se tornar um mangaká (quadrinista de mangá) e o chama para ilustrar as histórias que ele escreve. No entanto, Mashiro, é relutante à desilusão dado a aspectos da sociedade moderna e o destino de seu tio, um antigo mangaká serializado que morreu por excesso de trabalho, enquanto tentava recuperar seu status, mas acaba aceitando depois de pensar bastante. Mais tarde Mashiro se confesa para Azuki e descobre que ela quer ser uma Seiyuu (dubladora) e, pensando nas desventuras românticas de seu tio, propõe Azuki em casamento, sob a condição de que eles só se casam depois de alcançar seus sonhos. Seu objetivo final é ter a voz de Azuki como a heroína da adaptação do anime de seu mangá. Para ter a maior probabilidade de sucesso, ele e Takagi resolvem tentar se serializar na revista semanal Shonen Jump e tentar criar o mangá mais popular da revista. Apartir dai eles vão passar por maus bocados e conhecer muitos outros personagens da industria dos mangás, enquanto tentam alcançar o topo.

Review:

Bakuman pode ser resumido como a história de dois garotos tentando vencer na vida no mundo dos mangás. É uma obra muito interessante não só por seus personagens ou por ilustrar como é dura a vida de um mangaka com publicação semanal, mas pela parte técnica que mostra: de como um mangá é criado, o roteiro sendo transformado no rascunho e depois ganhando o desenho final, técnicas de desenho, estilos artísticos diferentes, autores talentosos X esforçados, a importância do editor, o trabalho dos autores pensando em cada parte da história, como ela vai progredir e como pode ser alterada conforme a resposta do público, ect. Em geral é uma obra muito rica em informações e curiosidades a respeito da industria de mangás, mesmo que descaradamente fantasie alguns acontecimentos. Mas claro, o foco são os protagonistas, não só os dois do início do anime mas todos os outros mangakas que vão sendo apresentados ganham desenvolvimentos e conclusões em suas histórias (eu chorava de rir com o mangaka preguiçoso, e torci muito por um final feliz para o caso romântico dele com outra autora).

A primeira temporada do anime flui muito bem, com os protagonistas passando por vários dos desafio inicias de um autor novato, incluindo ter várias de suas obras rejeitadas ou sofrer cancelamentos rapidamente depois de estrear, dado a baixa popularidade nos ranks semanais (quem acompanha a Jump vai entender do que estou falando). É bem legal como a maioria dos episódios termina com chamadas de certa urgência para os próximos, sempre apresentando problemas e obstáculos pelos quais os protagonistas tem que passar. Como o obra foi criada por mangakas experientes ela tem muitos casos reais e críticas a problemas que os próprios autores de Bakuman tiveram no início da carreira (como serem obrigados a prolongar um mangá por ordem da editora, caso de “Death Note”, na terceira temporada de Bakuman tem uma crítica forte a isso) dentre diversos casos polêmicos que ocorreram com outros mangakas famosos. Pegar a referencia ou não vai depender de quanto a pessoa sabe das noticias do mundo otaku no japão.

O foco do anime não é romance, mas quem curte não deve ficar decepcionado (o mesmo pra comédia), já que ambos os protagonistas tem par romântico e um outro personagem hilário que aparece depois também vai encontrar o seu no decorrer da obra. A segunda temporada é mais lenta que a primeira, mas não chega a ser ruim, e sem ela nunca entenderíamos como um editor bom ou ruim pode ser vital para o sucesso ou o fracasso de um mangá (ele praticamente manda no autor, principalmente se for novato). A terceira temporada é a melhor de todas, fluindo melhor que a segunda, enquanto tudo que a obra começou lá trás vai sendo fechado (sim, o final é fechado). O anime com certeza tem seus pontos altos e baixos durante as 3 temporadas, mas o resultado final é muito bom.PS: As EDs de Bakuman não eram das mais criativas, mas eu adorava as músicas: Ending 1, Endind 2.

Shirobako

Gênero: Slice of life, Comédia, Drama.

Diretor: Tsutomo Mizushima (Witchcraft Works, Girls und Punzers)

Estúdio: P.A Works (Angel Beats)
Episódios: 24 (+2 OVAs)

MAL: Clique aqui

Minha nota: 9/10
Opening: Clique aqui
Trailer: [showhide type=”Shirobako” more_text=”Clique aqui” less_text=”Esconder”]

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Sinopse:

Cinco amigas pertencentes a um clube de animação do colégio fazem uma promessa de conseguirem entrar na industria da animação japonesa, se reencontrarem e um dia produzirem um anime juntas. Anos depois cada uma delas continua correndo atrás de seus sonhos, mas a industria que elas tanto admiravam não é tão deslumbrante quanto elas pensavam.

Review:

Se Bakuman é sobre mangakas tentando vencer na vida enquanto a obra explora a industria dos mangás, Shirobako faz o mesmo para os animes, só que com a diferença de que a industria de animes é 100x mais complexa que a de mangás. Ele conta a história de vários personagens batalhando na vida por seus sonhos na industria da animação, uma área complexa, dura e pouco recompensadora. O início dele não é tão acessível quanto Bakuman, com vários jargões técnicos, nomes de cargos que só vão ser explicados mais pra frente sendo jogados um em cima do outro, e as vezes uma trama meio lenta. Mas felizmente é um daqueles animes que melhora muito com o tempo, tanto pelo direção ir ficando mais relaxada e divertida, te gerando mais informações e menos duvidas, como por conseguir que você se importe cada vez mais com os personagens. Fora contar uma boa história você aprende muito sobre como os animes são produzidos e o trabalho duro de cada uma das áreas que atuam nele, então eu recomendo mesmo para quem não tem interesse nesse tipo de história, só pelas informações que o anime passa sobre o funcionamento de um estúdio durante a produção de animes mesmo. Dentro do tipo de história que o anime tenta contar em apenas 24 episódios ele se sai muito bem, te fazendo rir bastante, e até, possivelmente, se emocionar de vez em quando. Extremamente recomendado.

Quem quiser um review mais completo clique aqui.

Silver Spoon

Gênero: Slice of life, Comédia, Drama, Escolar, Romance.

Diretor: Tomohito Ito (Sword Art Online, Occult Gakuin)

Estúdio: A1 – Pictures (Sword Art Online, Kimi no Uso)
Episódios: 11 (+ 1 temporada)

MAL: Clique aqui

Minha nota: 8.5/10
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Sinopse:

Yugo Hachiken sonha com uma vida separado de sua família devido a um trauma, e para isso ele toma a iniciativa de se matricular em uma escola de agricultura. Criado como um garoto de cidade, ele vai descobrir que a vida no campo é bem mais dura do que ele imaginava. Acompanhe a história de Hachiken no mundo agrícola enquanto ele faz amigos, descobre mais sobre si mesmo, se apaixona e busca seu objetivo na vida.

Review:

O diferencial de Silver Spoon é que é um slice of life no campo/fazenda, então a vida dos personagens não tem como ficar assim tão parada e mesmo quando fica ainda sobra o tutorial da vida no campo e “de onde vem os alimentos que você come e como são feitos”, abordados sempre de uma forma interessante e realista. Porém, nem tudo na obra é realista, como a comédia, sendo um tanto quanto exagerada em alguns momentos e te deixando com um sentimento de “mas que diabos é isso?” com alguma frequência (as mulheres iriam adorar poder engordar e afinar de um dia pro outro como uma das personagens da obra).

O protagonista é um personagem interessante e carismático, apesar de ser um cara legal demais para o seu próprio bem, algo que fica bem em foque pelas 2 temporadas, até ele encontrar seu objetivo e parar de dizer sim pra todo mundo. Os outros personagens são um bando de pessoas “gente boa” mesmo que não pareçam assim inicialmente. O bom disso é que o anime fica com um clima bem leve, o ruim é que fica irreal (seria bom se só existisse pessoas legais nesse mundo). O romance – coisa que gosto muito em qualquer obra – em Silver Spoon não sai muito do lugar, apesar das freqüentes tentativas de aproximação do protagonista. Isso é um pouco frustrante mas como o romance é algo deixado em segundo plano, servindo mais ao viés cômico na maioria do tempo, esse desenvolvimento lento não incomoda tanto.

A direção mediana erra um pouco nos timmings cômicos (a comédia é bem forte no anime), mas isso melhora bastante na segunda temporada, quando o diretor é trocado. A segunda temporada, alias, é bem melhor que a primeira em todos os sentidos, então mesmo que tenha achado a primeira mediana, assista a segunda. Quem tem dúvidas sobre o que vai fazer com a sua vida vai se identificar muito com o protagonista e sua jornada de crescimento. O final fecha uma saga e quem quiser continuar para ver aonde a história vai dar tem que ir pro mangá, começando pelo capítulo 76.

Barakamon

Gênero: Slice of life, Comédia.

Diretor: Masaki Tashibana (Tokyo Magnitude 8.0)

Estúdio: Kinema Citrus (Tokyo Magnitude 8.0, Black Bullet)
Episódios: 12

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Minha nota: 8/10
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Sinopse:

Após socar um famoso caligrafista, o jovem calígrafo Handa Seishu é exilado em uma pequena ilha por seu pai, para repensar sua vida e valores. Como alguém que jamais viveu fora de uma cidade, Handa tem que se adaptar aos seus novos vizinhos excêntricos, como pessoas que viajam a trator, visitantes indesejados que nunca usam a porta da frente, crianças irritantes que usam sua casa como parque de diversões, etc. Ele conseguirá se adaptar a nova vida, e, mais importante evoluir como ser humano enquanto busca inspiração para criar uma arte que possa chamar de sua?

Review:

Barakamon é uma mistura de comédia com slice of life, na qual o protagonista vai aprendendo lições com o povo simples da ilha agrícola em que se encontra e evoluir como pessoa no processo. O protagonista não é muito simpático a principio, mas os outros personagens são, principalmente a garota da capa (a garota fujoshi também é hilária). Enquanto o começo é mais cômico com o protagonista se adaptando ao local e habitantes peculiares que vivem o infernizando, depois da metade começam a aparecer competições (desafios/obstáculos), até o final, aonde é mostrado tudo que ele aprendeu e como ele mudou até ali. É um anime bem legal para quem curte comédia e desenvolvimento de personagem, e, de bônus ainda tem uma animação acima da média para o gênero.

Hanasaku Iroha

Gênero: Slice of Life, Comédia, Drama, Romance.

Diretor: Masahiro Ando (Blast of Tempest, Shirayuki Hime )

Estúdio: PA Works (Charlotte, Angel Beats)
Episódios: 26
MAL: Clique aqui

Minha nota: 8/10
Trailer: [showhide type=”iroka” more_text=”Clique aqui” less_text=”Esconder”]

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Sinopse:

Iroha acompanha a história de uma garota que é mandada pela mãe para viver com sua avô em uma cidade de interior do japão. Apesar de achar que ia ter uma vida fácil a garota acaba sendo obrigada a trabalhar como funcionário da pousada da avó assim que chega na cidade, como forma de pagar moradia e alimentação. No decorrer do anime ela aprende como é duro trabalhar em uma pousada tradicional japonesa (o que achei bem interessante em termos de curiosidade), e vai amadurecendo com os ensinamentos que absorve e as pessoas que conhece, ao mesmo tempo em que começa a decidir o que vai fazer da vida, e a resposta que vai dar a confissão que seu amigo de infância fez antes dela mudar de cidade.

Review:

Um dos fortes de Iroha é seu elenco bem vasto de personagens que vai sendo desenvolvido durante os episódios. Até os coadjuvantes ganham importância, e alguns personagens que parecem pessoas horríveis se provam não tão ruins assim depois de um tempo (tipo a avó da protagonista).

A obra não é super movimentada mas consegue manter você interessado através dos desafios de administrar uma pousada: falta de clientes, clientes estranhos, golpistas, ideias para atrair clientes (dando errado), o hotel a beira da falência, super lotação inesperada, problemas na cozinha, falta de funcionários, a todo momento o enredo coloca alguma dificuldade para os personagens tentarem superar, e isso torna o que poderia ser um slice of life monótono em algo divertido de assistir na maioria do tempo.Não chega a ser uma comédia mas a obra tem uma quantidade razoável de humor misturado a vida cotidiana, um pouco de romance da protagonista com seu amigo de infância (o que gera o drama da obra em determina parte), e de uma outra garota que trabalha na cozinha e é apaixonada pelo chefe (essa é bem chatinha, mas tentem aturar que a situação dela se revolve no final). A parte técnica é excelente, como quase todos os animes da P.A Works. Nesse em especial o diretor, especializado em animes de ação, faz um excelente trabalho dirigindo algo que não estava acostumado.

No final da história todos os personagens cresceram um pouco, e a protagonista ganhou um objetivo para correr atrás na vida que nunca teve. Um desfecho bem agradável e conclusivo. Nota: 8/10

Menção Honrosa:

Usagi Drop

Gênero: Slice of Life, Comédia, Drama.

Diretor: Kanta Kamei (Saekano, Oreshura)

Estúdio: Production I.G (Guilty Crown, Ao Haru Ride)
Episódios: 11

MAL: Clique aqui

Minha nota: 8/10
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Sinopse:

Daikichi, um solteiro de 30 anos, ficou chocado ao descobrir no funeral de seu avo que ele teve uma filha fora do casamento, que estava criando sem ninguém saber. E ao ver que o resto da família estava desprezando a garota e considerando a mandar para um orfanato, ele decide que vai cuidar dela sozinho, o que será o começo de uma grande mudança em sua vida solitária.

Review:

Usagi drop conta a história de um solteiro de 30 anos (com cara de 40) tendo que mudar radicalmente seu estilo de vida para se adaptar a criar a filha bastarda de seu falecido avo. O anime é basicamente um amontoado de momentos bonitinhos e engraçados dele tentando se adaptar a nova vida com uma criança durante a primeira metade do anime. Essa primeira metade é o que mais gosto inclusive, apresentando constates desafios que te deixam interessado para ver como o protagonista vai supera-los (o mesmo motivo pelo qual gosto mais da primeira metade do filme Wolf Children do Mamoru Hosoda). A segunda metade, depois que ele se adapta a garota, é mais lenta, perdendo um pouco o charme da primeira metade, mas não chega a ser ruim. Em suma, é um anime curtinho com uma história bonita que vale a pena assistir. Quem terminar pode ir para o mangá ver a segunda metade da história, focada na fase adolescente da protagonista (é uma segunda metade bem polêmica, vale dizer).

Hyouka (Opening 1 e Opening 2) gira em torno de Oreki Hotaro, um garoto do ensino médio que sempre age de forma passiva. Um dia, ele entra na “Koten Bu” (Clube de Literatura Clássica), recomendado pela sua irmã mais velha. Lá ele encontra Eru Chitanda, Satoshi Fukube e Mayaka Ibara. Chitanda é uma garota linda e calma, mas que se transforma em uma encarnação de curiosidade, uma vez que ela diz “Watashi, Kininarimasu”. (Eu, estou interessada). Fukube é um menino sorridente que se destaca pela sua memória, mas que nunca constrói sua própria dedução. Ibara é uma menina rigorosa com os outros e com ela mesma. Ela ama Fukube, mas ele sempre se esquiva quando ela se aproxima. Juntos eles começam a investigar um caso ocorrido há 33 anos, cujas respostas podem estar em uma antiga coletania de livros da escola. A história segue o grupo desvendando vários mistérios.

Review:

Em Hyouka, diferente das outras obras listadas até aqui, os personagens não tem grandes objetivos ou obstáculos para ultrapassar, sendo sem duvida a obra mais parada da lista no que tange a velocidade e construção do enredo. Ela tenta compensar esse clima de vida comum dos estudantes com mistérios, algo que ajuda, ainda que não 100%, dado que os mistérios não tem urgência (nada trágico acontece se eles não resolverem e nem mesmo existe um limite de tempo na maior parte dos casos). Ainda assim são mistérios interessantes o suficiente para despertar a curiosidade do telespectador e com construções bem pensadas.

O desenvolvimento dos personagens ou mesmo romance é minimo nessa história, mas existe uma evolução mesmo que de forma tão implícita que alguns terão dificuldade para notar, como a confissão disfarçada em um monólogo da protagonista feminina no último episódio (aqui a explicação do diretor para a cena). Oreki mesmo com seu jeitão preguiçoso acaba sendo um bom protagonista, surpreendendo nos momentos que você menos espera.

Não é um anime que tenho facilidade de recomendar, já que ao meu ver os atrativos na história são poucos, principalmente no que costumo valorizar em obras slice of life, mas, ainda assim é um bom anime, com uma história simples, momentos divertidos e bonitos. Para quem curte a parte visual, Hyouka, vale dizer, é um dos animes mais bem feitos e cinematográficos que a Kyoto Animation já produziu, e a trilha sonora clássica também tem seu charme. Não é dos mais fáceis de se assistir para quem não tem paciência com obras mais paradas, mas com certeza vale a pena.

Por último, quem gostar de Hyouka eu recomendo dar uma olhada no mangá Iris Zero, do qual já fiz um review (aqui). O protagonista é o Oreki sem tirar nem por e a protagonista feminina lembra a Chitanda em personalidade. Prefiro ele a Hyouka até, já que os mistérios tem urgência para serem resolvidos e o aspecto sobrenatural adiciona um extra aos conflitos. Nota: 8/10

PS: A segunda ending desse anime é muito criativa.

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Review – Shirobako: Um anime sobre como animes são produzidos e as pessoas que trabalham neles

Marco — Sat, 28 Mar 2015 18:49:00 +0000

Já se perguntou como e por quem os animes que você tanto gosta são feitos?

Sinopse

Análise

Apesar da comparação inicial obvia com Bakuman – um anime sobre dois mangakas tentando vencer na vida – Shirobako toma uma rota bem mais arriscada: O anime não te introduz passo a passo na industria da animação – que é muito mais complexa que a de mangás – como Bakuman faz com a industria de mangás. Ao invés disso, te joga direto no meio do turbilhão, com você acompanhando uma das personagens principais no cargo de “produtor assistente” já a alguns meses na industria, tendo que conviver com uma rotina de trabalho quase inumana. Por uma lado é legal pelo história já começar movimentada, de modo que mal acaba o primeiro episódio e já tá tudo dando errado, por outro, boa parte das pessoas vão ficar completamente perdidas nos primeiros episódios, que te mostram muito e explicam pouco (fiz até um post na época explicando o básico pra tentar dar uma ajuda a quem estava perdido, aqui).

Para quem já pesquisou ou acabou lendo sobre como animes são produzidos esse anime é algo muito interessante por confirmar várias coisas que antes eram mais boatos ou “achismos”. Aquelas perguntas que a maioria das pessoas se faz com frequência: “porque eles decidiram por um final original?”, “porque só adaptaram até essa parte do mangá?”, “porque o design do personagem mudou comparado ao original?”, “porque esse episódio ficou mal feito?”, “porque esse CG está tão ruim?”, dentre outras, são respondidas pelo próprio anime. Também é comum vermos relatos de como a industria de animes no japão é cruel (exemplo), mas é a primeira vez que vemos um anime abordar isso de forma “relativamente” realista. Quanto mais o anime passa mais o telespectador se pergunta: “porque alguém escolheria essa profissão?”, o que é inclusive uma das indagações frequentes da protagonista. Felizmente, Shirobako, embora tenha drama, é um anime pra cima, que tenta contornar as dificuldades, e não dramatizá-las.

Ao meu ver a primeira metade do anime, mesmo que boa, não é a melhor forma de se vender a proposta, a não ser que você seja um “nerd de animação” ou alguém de dentro da industria se divertindo vendo alguém fazer um anime sobre o seu trabalho. São diversos cargos e nomes técnicos pulando na tela um atrás do outro, e quase zero explicação do que eles fazem ou significam exatamente (até tentar adivinhar com dicas visuais é difícil nesse caso). A segunda parte do anime já se sai bem melhor, tanto pela direção parecer que relaxou um pouco, deixando o clima do anime mais leve e bem humorado, quanto pelo cuidado de explicar melhor o que acontece nas etapas de produção, com direito aos mascotes do anime – representações hilárias da mente da protagonista central trabalhando – narrando tudo, para que o público entenda o que está acontecendo. Se o foco da primeira parte foi uma produção após ele começar a passar na TV, a segunda expande isso, mostrando também o passo a passo que um anime passa desde que o estúdio é escolhido até o anime começar a passar na TV (pre-produção).

As homenagens a “Inicial D” (anime de corrida) são legais, e as fugas de um certo diretor de episódio são engraçadas e mantem o clima do anime leve, assim como o produtor executivo prendendo o diretor em uma gaiola pra ele terminar o storyboard a tempo, mas no episódio 23 a coisa escalou do exagero cômico para a fantasia. Quem não se importa com o mínimo de realismo não deve se incomodar, mas para um anime que parece tentar mostrar de forma realista como a industria da animação funciona aquilo foi desnecessário – mesmo que sem duvida alguma seja uma sequência inspirada. Eu gostei muito das cenas cômicas (tem muitas!) que nos transportavam para a imaginação do diretor ou representavam visualmente duvidas e frustrações dos personagens, mas transportar aspectos da fantasia pro mundo real é uma decisão no mínimo discutível (jurava que no final iam dar a entender que era tudo imaginação do diretor, mas não). O último episódio também tem uma parte meio exagerada (se pergunte porque não mandaram aquilo digitalmente), mas foi uma forma criativa de dar um climax final “emocionante”(e engraçado) ao anime.

Todo o elenco reunido

Existem 5 protagonistas e uma montanha de coadjuvantes em Shirobako, cada um trabalhando em uma área diferentes da industria. Todos acabam ganhando atenção em algum momento, de modo a permitir que o telespectador entenda como cada cargo funciona: direção, coordenação de produção, animação, direção de episódio, direção de animação de episódio, designer de personagem, background, CG, roteiro e dublagem. Todas as principais dificuldades, duvidas e frustrações de cada profissão são abordadas pelos personagens em algum momento, o que além de interessante dá um tom mais realista a coisa toda, principalmente por muitos ali serem novatos no que fazem. O modo como ninguém é perfeito, sendo que mesmo quem está dando concelhos para um novato em um momento pode estar desesperado ou perdido no outro, torna os personagens extremamente identificáveis para com o público, afinal, são nossos defeitos que nos tornam humanos.

No fim, Shirobako não é só um anime sobre fazer animes, mas sim sobre as pessoas que trabalham no mundo da animação e sua luta diária – com o anime tendo inclusive uns episódios meio parados na primeira parte para trabalhar melhor esses personagens. Você não dá muito por eles no início, já que são muitos e o anime não pode ficar focando muito tempo em cada um (fora a Miamori). Ainda assim, depois de um certo tempo, você vai estar torcendo para cada um deles, até aqueles que você detestava no início (menos o editor do mangaka……). Só alguns conseguem um desenvolvimento mais marcante, mas todos eles terminam muito bem caracterizados. Quando o último episódio acaba, você, muito provavelmente, vai querer ver mais, saber o que vai acontecer com aqueles personagens no futuro, como será a próxima produção deles, como a carreira deles vai progredir. Isso é desnecessário, levado em conta que o anime fecha muito bem tudo o que começou no primeiro episódio, mas só o fato de fazer a pessoa pensar sobre isso já mostra que a obra fez muito bem o seu trabalho, não só de mostrar como animes são feitos, mas de fazer você se importar e dar valor a quem trabalha neles.

Aspectos Técnicos

A direção de Shirobako (Tsutomu Mizushima) é muito inspirada, e você realmente consegue ver o diretor nas cenas, ainda mais se você conhece os trabalhos mais recentes dele. O roteiro (Mishiko Yokote) merece um elogio conjunto, já que quem criou a história é o diretor, o roteirista apenas a colocou em ordem no papel – o que não deixa de merecer elogios em animes originais, aonde se faz necessário criar todos os diálogos do zero. E diálogos é algo em que esse anime se sai muito bem. Como já mencionei antes, meu único desgosto foi a introdução de alguns elementos fantasiosos no mundo real e o modo como o anime pode deixar quem não entende nada do assunto bem confuso no início.

A parte técnica (P.A Works) relativa a animação não é necessariamente um destaque, mas nunca deixa a desejar. Ela entrega o que se pede de cada cena, principalmente nas variações de expressão cômicas dos personagens e nas cenas mais fantasiosas, aonde ela é mais exigida.

A trilha sonora (Shiro Hamagushi) não foi um destaque pra mim, mas cumpria bem o que era exigido seja nas partes cotidianas, cômicas ou dramáticas.

Conclusão

Shirobako é um anime de pessoas batalhando na vida por seus sonhos na industria da animação, uma área complexa, dura e pouco recompensadora. Mesmo com um início não tão acessível – e as vezes até parado demais – para a maioria do público, é um daqueles animes que sem duvida posso dizer que melhora muito com o tempo, tanto pelo direção ir ficando mais relaxada e divertida, te gerando mais informações e menos duvidas, como por conseguir que você se importe cada vez mais com os personagens. O anime não é perfeito, mas dentro da temática complicada que aborda, o número de personagens e o tempo que tem para trabalhar isso tudo, ele se sai muito bem. Para quem sempre quis saber como animes são produzidos, ou mesmo se interessa pela vida dura de pessoas buscando seus sonhos, esse anime é extremamente recomendado.

Direção: 9/10

Roteiro: 9/10

Animação: 8/10

Soundtrack: 9/10
Entretenimento: 7/10

Nota final: 9/10

Trailer do anime:

Compilado de referencias do anime a pessoas ou locais famosos da industria da animação:

Salário dos cargos envolvidos com animação em dólares:

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Conceituando Slice of Life

Marco — Sun, 22 Mar 2015 04:16:00 +0000

O que define um Slice of Life?

Essa é a fundamental questão, já que tecnicamente tudo pode ser.

Porque se pararmos para pensar, o que faz um Aria poder ser um Slice of Life, enquanto um One Piece não pode ser, ou pegando exemplos dessa temporada de animes, porquê um Kiniro Mosaic pode ser, enquanto um Gatchaman Crowds não.

A meu ver existem motivos e motivos para isso acontecer, um deles tá em que um Kiniro Mosaic e um Aria da vida retratam bem mais o cotidiano, a vida comum sem nada de especial acontecendo.

“Mas cara! Se você for pegar por esse ponto, One Piece ou Gatchaman também podem ser oras! Afinal ambos se tratam da vida dos personagens de uma certa forma.”

Dizer isso, não tá exatamente errado, já que afinal, é pura verdade realmente, mas a questão do que separa os dois está no momento que pegamos e analisamos o que ambos oferecem.

O quê One Piece oferece? Porradaria e aventura de piratas, até ai é real, mas no momento que colocaram os personagens para terem poderes deixou de ser um Slice of Life, afinal, vamos traduzir: Slice = Fatia e Life = Vida. Desculpa, mas minha vida não tem piratas e muito menos com poderes variados.

Nisso entro em uma contradição, já que Aria é além de um anime/mangá do estilo, é também um Sci-Fi, e tecnicamente isso poderia fazer ele não ser mais do estilo.

Mas o que acontece é que apesar disso, Aria apenas retrata a vidinha das personagens, mesmo que seja em outro planeta, não tem nenhum vilão e nem muito menos o pessoal bonzinho, assim como robôs gigantes ou mesmo a turminha da pesada que descobre uma grande conspiração na escola.

São apenas meninas vivendo a vida delas de boas sem se preocupar com nada, apesar de a nossa realidade ainda não existir a terraformação, mas um dia, pode ser bem a realidade.

Animes como Kiniro Mosaic, Tamayura, K-ON!, entre outros podem ser sim também, afinal, porque não pode existir pessoas vivendo as vidinhas de boas e com a única preocupação sendo a escola? Oras, as minhas preocupações basicamente são essas também!

Não sei se consegui explicar, mas ao menos tentei. E tentem dar mais chances aos pobres animes Slice of Life, se tem algo que os japoneses realmente são bons é em criar coisas para esse estilo.

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Review – Shigatsu wa Kimi no Uso: A sua mentira em Abril

Marco — Fri, 20 Mar 2015 23:48:00 +0000

Uma linda história sobre pessoas tentando superar as mentiras que dizem para si mesmas.

Sinopse

A história gira em torno de Kousei Arima, um ex-prodígio que perdeu sua habilidade de tocar piano quando sua mãe morreu. Sua vida diária desde então se tornou monótona, porém, isso muda quando ele encontra uma violinista cheia de personalidade. Encantado com a garota, Kousei começa a reganhar sua paixão pela música.

Análise

Kimi no Uso começa nos mostrando um personagem traumatizado pelo seu passado com a mãe, e ao londo da primeira parte do anime vemos ele tentando superar seus demônios, incentivado pela protagonista feminina, Kaori, que consegue dar motivação a Arima, quando desperta nele um sentimento que ele desconhecia. Nesse ponto, o primeiro episódio é bem enganoso, já que nele a obra parece uma comédia romântica comum, quando está bem longe disso (nem mesmo a considero uma “comédia romântica”).

Felizmente, essa é uma impressão que os episódios posteriores – os primeiros 4 ou 5 – conseguem dissipar muito bem. O anime não está preocupado com o romance dos protagonistas ou disputas em triângulos amorosos, ele é um anime sobre um pianista superando seus traumas e amadurecendo, algo que o anime consegue realizar com profundidade, ao mesmo tempo que se mantem uma obra leve e fácil de assistir – na maior parte do tempo -, um de seus aspectos mais admiráveis.

Se na primeira parte temos a superação do principal trauma do protagonista com a mãe e a apresentação dos vários personagens que compõem o elenco, na segunda chega a hora de aprofunda-los, e dado o tempo que o anime tem é inegável que eles são bem trabalhados (difícil não simpatizar com os pianistas rivais do Arima ou mesmo sua aprendiz). Nesse ponto a obra reduz um pouco seu ritmo, se tornando um tanto quanto mais dramática e começando a divergir o foco entre os outros personagens e suas motivações, chegando até mesmo a apresentar um novo, em algo que se assemelha a um sub-plot sem importância, mas que acaba mostrando seu valor ao desenvolvimento do protagonista depois. Arima superou seu trauma na primeira parte da obra e na segunda cabe a ele superar sua dependência psicológica no que o motiva a tocar piano.

Admito que gostei mais da primeira parte, já que achava ela mais focada enquanto a segunda divaga um pouco mais. Mas vendo como o foco se recompõe nos episódios finais (quando voltam as apresentações musicais), e, principalmente, o modo lindo que a obra se fecha, dando valor a tudo que foi trabalhado até ali, fica quase impossível não elogiar o conjunto completo. Acho que se fosse para apontar um problema só gostaria que tirassem as piadas com os personagens cartoonizados em momentos reflexivos ou dramáticos.

A comédia funciona bem nos momentos mais leves, mas fica extremamente deslocada quando tentam coloca-la em cenas sérias (acontece com frequência). Entendo que a obra faz isso para tentar manter o clima leve e o anime mais acessível, mas querer manter as pessoas relaxadas em um momento com clima tenso não é uma boa ideia. Além do que as piadas exageradamente físicas – com o protagonista apanhando a ponto de sangrar sem que os outros personagens se importem – causam um pouco de estranheza. Não acho que se encaixaram bem com a seriedade da obra.

O anime é cheio de metáforas e simbolismos visuais. Prestem atenção nos gatos pretos e o que acontece com eles, eles são a representação das pessoas queridas que estão na mente do protagonista no momento.

Por vezes a pessoa vai ter a sensação de que os personagens são todos membros de um clube de poesia, com suas reflexões ou mesmo diálogos indo muito alem do que você esperaria de um adolescente de 14 anos (ou mesmo de alguns adultos). Isso não prejudica em nada, pelo contrário, engrandece ou embeleza a maioria das cenas, mas admito, é meio difícil de imaginar conversas naquele nível no mundo real.

Nesse ponto parece que Kimi no Uso trabalha em seu próprio universo paralelo, aonde adolescentes são todos poetas e personagens podem se comunicar ou transcender o físico apenas com a música. Mas acho que é essa uma das “mágicas” que fez um anime dramático sobre música e superação tão acessível: ser visualmente rico e colocar jovens em papeis que se encaixariam perfeitamente em adultos de 18 anos pra cima, além de, claro, tentar manter sempre o clima da obra pra cima.

Existem várias mentiras a serem superadas em Kimi no Uso: Arima mente para si mesmo dizendo que não gosta de tocar piano ou que só é capaz de tocar por uma única pessoa com quem se importa, Kaori mente para si mesmo e para os outros a sua volta sobre a gravidade de sua situação, Tsubaki finge que não está apaixonada pelo amigo de infância de quem nunca conseguiu tirar os olhos, e, por último, a mais tocante e inesperada das mentiras: a que dá nome a obra e te pega desprevenido no final, explicando muitos dos comportamentos peculiares da Kaori.

No fim, foi um apoio mútuo: Kaori, guiada por seu impeto repentino de desfrutar a vida ao máximo, resgatou Arima, que por sua vez retribuiu a ajudando a se levantar quando ela já tinha desistido e realizando o maior sonho dela, ainda que ele só descubra isso no final.

Parte Técnica

A direção (Kyohei Ishiguro) de Kimi no Uso é fantástica, e o roteiro (Takao Ishioka) também, mas o mérito é da obra original nesse ponto, já que o roteirista basicamente só copiou o mangá, e quem deu vida a coisa toda foi o diretor. Como já comentei na análise, só achei infeliz as misturas de comédia e drama nos momentos sérios e as piadas serem exageradamente físicas, sem isso seria 10 para direção e roteiro/história.

A parte artística é deslumbrante, sendo uma das produções mais bonitas que o estúdio A1-Pictures já produziu (nunca tirar prints de um anime a todo segundo foi tão tentador). Mérito para responsável pelo design dos personagens de Yukiko Aikyou também, que fez um trabalho muito superior ao original, além de ser a responsável por revisar toda a produção junto ao diretor (que é seu marido, vale dizer).

A fluidez da animação varia bastante, tem episódios que parecem coisa de filme na primeira parte do anime, mas na segunda isso cai um pouco e a animação só volta a mostrar sua força no final, com destaque sempre para as apresentações musicais, aonde nota-se claramente o maior esforço da produção. Acho que nunca vi um anime sobre música com apresentações tão fluidas.

A trilha sonora é muito bonita, um dos melhores trabalhos de Masaru Yokoyama, tornando muito fácil se emocionar durante o anime, não tanto pelas cenas tristes, mas pelos momentos bonitos, principalmente durante o antes e depois das performances musicais – que são lindas, vale dizer, seja nas interpretações fieis ou nas adaptações de músicas clássicas de grandes compositores. Minha favorita foi “spring melody“, que funciona quase como uma “main OST” da série em todos os momentos de reflexão do Arima (Demo da OST completa).

Conclusão

Kimi no Uso é um anime muito bonito, e por vezes poético, sobre superação, amadurecimento e a marca que as pessoas podem deixar em você, seja para o bem ou para o mal. Quem espera uma comédia romântica pode se decepcionar, já que embora o romance esteja presente, ele é a ferramenta que dá motivação ao protagonista e não o foco. Já a comédia está ali para manter o clima leve o bastante para não deixar quem está assistindo desconfortável, mas só. Essa obra é um drama – estranhamente acessível mesmo para quem não gosta tanto do gênero – sobre um músico tentando se reerguer, e encarada desse modo, a execução dela é quase perfeita. Recomendado, um dos melhores animes de drama que já vi, junto a alguns filmes do Makoto Shinkai.

PS: Revejam pelo menos os 5 primeiros episódios do anime depois de ver o final, o anime parece quase diferente quando você revê com as informações que ganha no final, muita coisa que você achou que acontecia por um motivo era por outro.

Direção: 9.5/10
Roteiro: 9/10
Animação: 9.5/10
Trilha Sonora: 10/10
Entretenimento: 7/10
Nota final: 9/10

Trailer do anime:

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Taiyou no Ie: House of the Sun – Um romance sobre o valor da família, amadurecimento e o tabu da diferença de idade

Marco — Sun, 15 Mar 2015 00:05:00 +0000

Uma bonita comédia romântica sobre família e crescimento.

Autor: Taamo

Volumes: 13 (Finalizado).
Gênero: Romance, Comédia, Slice of life, Escolar, Shoujo.

Sinopse

“O que uma criança pequena deve fazer quando sua mãe deixa seu pai por causa de outro homem? Ou quando seu pai se casa novamente e uma mulher que traz consigo uma criança de um casamento anterior? Ou quando seu amigo de infância a convida para morar com ele?”

Mao Motomiya desde criança vivia brincando na casa de Hiro Nakamura, até que um seus pais morreram em um grave acidente, seus irmãos foram morar com outros familiares e ele decidiu ficar sozinho cuidando da casa. Ao mesmo tempo, o pai de Mao – que se mantinha frio e distante dela – se divorciou de sua mãe e casou com uma outra mulher, que trouxe uma nova criança para dentro da casa. Mao perdeu sua zona de conforto, se sentindo solitária e rejeitada pelo pai e a madrasta, até que Hiro (23) a convidou para morar com ele na casa em que Mao (16) sempre se sentia feliz.

Análise

Essa obra é essencialmente uma chamada ao valor do ambiente familiar e a mudança positiva e negativa que isso pode causar nas pessoas. A protagonista feminina, Mao, busca subconscientemente em Hiro, seu amigo de infância, os elementos familiares que ela nunca teve, enquanto Hiro usa Mao como um consolo a família que ele perdeu. Basicamente a história começa com um complementando o que falta no outro apartir do momento em que decidem morar juntos, e dai pra frente a coisa começa a crescer lentamente até virar um romance.

A obra é extremamente leve e cheia de momentos bonitinhos ou engraçados, lembra muito um outro mangá chamado Horimiya (recomendo). Mesmo quando acontecem conflitos entre personagens o clima dificilmente fica pesado e as resoluções são bem agradáveis, evitando um exagero melodramático. E falando em conflito, esse mangá não tem só dois personagens: o elenco vai crescendo através da inserção de colegas de classe da Mao, colegas de trabalho do Hiro, irmãos do Hiro, ect. Depois da metade do mangá começam a surgir outros possíveis casais, além de outros pretendentes disputando tanto o Hiro como a Mao; Aliás, é impressionante como o autor consegue manter o clima leve com a quantidade de gente sendo rejeitada de um lado pro outro nesse mangá, se eu fosse fazer um daqueles quadros ligando quem gosta de quem ia sair algo muito doido. Felizmente, a maioria consegue seu final feliz, mesmo que não necessariamente com a pessoa que desejava a principio (quem não consegue final feliz na obra principal consegue no spin-off de volume único que saiu depois).

O tal tabu da idade é um pensamento que passa pela cabeça dos dois protagonistas, principalmente na do Hiro, que inicialmente só via Mao como uma irmã. Mas a diferença é de apenas 7 anos e com a garota tendo 16 e o cara 23 não é nada tão chocante assim, motivo pelo qual eu gostei de não terem dado muito enfoque ou feito drama em cima nisso, é um barreira inicial mas que logo é deixada de lado.

Quase todos os momentos dramáticos são guardados para os últimos 10 capítulos, é lá que tudo que foi acumulado de problemas durante a trama é resgatado e propriamente resolvido. Felizmente nada soa abrupto, todos os desenvolvimentos já estavam sendo trabalhados a um bom tempo, principalmente o da Mao com sua nova família – e seu pai -, a qual ela criou coragem para tentar encarar na metade da obra, mas que só nos capítulos finais conseguiu o pontapé que faltava para resolver a questão, com o mesmo sendo verdade para o conflito do Hiro com seus irmãos. Achei muito legal como o autor fez do desabafo do pai da Mao a chave para resolver o problema da irmã do Hiro. O modo que o Pai dela – que você vai odiar por quase toda a obra, mesmo com a justificativa do comportamento dele sendo dada logo no início do mangá – consegue ser humanizado em um discurso perto do final é fantástico! Preparem seus lenços!

Os personagens são bem trabalhados em sua maioria, e embora o crescimento da protagonista seja o maior exemplo disso, é na transformação de personagens que parecem desagradáveis a primeira vista em pessoas que você respeita e torce para que tenham um final feliz – como o irmão do protagonista – que mora o maior charme desse mangá. Os próprios pretendentes da Mao e do Hiro priorizarem a felicidade da pessoa que amam – as vezes até ajudando o rival -, a sua própria é particularmente admirável e gostoso de ver. Não tem vilões nessa obra (graças!!!), mas nem todo mundo é bom. O diferencial é que é explicado o motivo da pessoa ter feito as coisas “ruins” que fez (o pai e mãe da Mao principalmente), e como o final mostra, mesmo cometendo erros as pessoas podem tentar mudar.

Conclusão

Taiyou no Ie é uma obra que eu recomendaria para qualquer um que goste de uma comédia romântica com um pouquinho de drama. Para quem tem preconceito com shoujos aviso que a obra não apela para os clichês mais famosos da demografia e até mesmo a arte é diferenciada nesse aspecto, puxando mais para um design simples e bonitinho, ao invés dos famosos personagens extremamente espichados e de aparência madura. A obra é leve, divertida e os personagens carismáticos. O final, mesmo que manjado, deve agradar a maioria também. Recomendado.

Nota: 9/10

Capa dos volumes:

Por último, foram essas imagens que vi alguém linkar no twitter que me fizeram ficar curioso pra ir ler o mangá, quem sabe não funciona pra vocês também xD:

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A simplicidade de ser Locodol

Marco — Mon, 02 Feb 2015 01:54:00 +0000

Ah, Nagarekawa………..

Esse é um anime que se passa na roça.

Mas não é uma roça qualquer.

Ela tem fofas.

Mas não essas fofas.

E sim essas fofas.

Essas fofas vivem numa cidade simples.

Simplex (simples) era, para os antigos, um grande valor. Ser simples era uma importante qualidade, o núcleo da virtude cardeal da prudentia, classicamente a capacidade de tomar decisões acertadas, com base na límpida visão da realidade (simplicitas). Hoje, temos dificuldade de apreciar tais valores; para nós, “simples” tem acepções pejorativas: “aquele que só possui conhecimentos rudimentares”, “que é pobre, que não possui recursos materiais”, “crédulo” (Houaiss); “vulgar, comum, ordinário”, “papalvo, tolo, crédulo, simplório, simplacheirão”, “sem instrução; ignorante” (Aurélio).

Simplex era a visão límpida, não comprometida, do real. O original grego do versículo do Evangelho não fala em puro, bom, etc. mas em simples (haplous). Mt 6,22: “Se teu olho for simples, todo teu corpo será luz”. Na análise etimológica de Tomás de Aquino, sobre o versículo encontramos: “simplex, id est sine plica duplicitatis”: “simples, ou seja, sem a plica da duplicidade”. (retirado daqui)

Nagarekawa é uma cidade simples, que deseja reformular. Para isso contrata idols, ou locodols, como a série chama (Locodol vem da junção das palavras Local e Idols, ou seja, significa Ídolos Locais).

Uma delas é uma bela kinpatsu bishoujo (garota loira para os não acostumados a Kiniro Mosaic) ojousama, que além de ojousama é uma garota simpática, amigável e pevertida. Em outras palavras, é pra casar.

A outra garota é uma flat. Apesar de ser flat e ter cabelo curto, ela é uma garota de uma timidez fofissima, que gagueja quando fica nervosa em publico, mas, apesar disso, ela é sincera e de uma pureza gigantesca. Ou seja, ela é para casar também.

E junto das duas temos o Ugokoro-kun, um mascote que apesar de estranho por fora, por dentro reserva uma linda fofa de 1,46, que apesar da pouca altura, é bem forte e consegue dar cambalhotas. E no futuro ela quer ser uma seiyuu, ou seja, no futuro você pode ter a voz da sua waifu na sua cama! Só tem vantagem.

Mas isso não é tudo, temos mais duas garotas na história.

A empresária é uma espécie de voyeur do grupo, mas apesar de tudo, é outra pessoa amável e atenciosa, ela não perde uma oportunidade de tirar belas fotos das nossas locodols, é quase como se tivessem me teletransportado pro anime.

E para fechar nosso grupo de best girls, temos mais uma grande fofura, também com menos de 1,46, ela é a substituta da garota que fica no Uogokoro-kun. Ela tem uma grande timidez, mas por trás dessa timidez, além do óbvio que eu já digitei pra todas as outras garotas, ela tem uma bela voz e é uma atriz nata, capaz de aprender as coisas com extrema rapidez. Ou seja, caso escolha ela, você pode ter uma futura atriz de Hollywood ao seu lado!

Temos outros personagens, mas o único comentável é o tio da protagonista de cabelo curto que infelizmente é jogado para escanteio depois que a empresária delas entra em cena. Mas ele é um personagem bem divertido e sabe tocar guitarra (e por algum motivo ainda sim é solteiro).

Esse é um anime extremamente simples, apesar de ser uma comédia, ele não é muito engraçado.

Mas ai entramos numa questão: Qual a graça de um anime de comédia sem graça?

A graça é essa, como a coisa é simples, você assiste apenas pelo prazer de ver as personagens que são umas graças, ele é bem despretensioso, ele tem situações bem legais e garanto que ele é mais musical que K-ON mesmo que o anime inteiro tenha umas 3 músicas.

Resumindo a história toda, ele é um excelente anime para depois daquele dia de trabalho estressante com tudo ficando mais caro, a luz ficando mais cara, os mangás pocket custando 14,50 só porque tem 50 páginas a mais, você estressado quer ver algo relaxante, esse é o anime certo.

É do mais puro Slice of Life.

E para quem estranhou a falta daquele meu resumão sobre o que isso aqui é, Locodol (Futsū no Joshikōsei ga Locodol Yattemita) é um anime de 2014, produzido pelo estúdio feel baseado na 4-koma SEINEN feita por Kōtarō Kosugi na revista Manga 4-Koma Palette da editora Ichijinsha e conta já com 3 volumes encadernados.

Na história, a colegial Nanako vira a ídolo local de sua cidade a pedido de seu tio. Ela e sua senpai Yuriko, uma garota que aparenta ser perfeita mas no fim é uma cabeça de vento, ambas se tornam ídolos de sua área provincial. Elas são entrevistadas (pelo centro comercial da cidade), aparecem na televisão (em um canal a cabo de baixo orçamento), e realizam shows (no telhado da loja de departamento). O salário das meninas vêm dos impostos da cidade.

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Review — Hanayamata

Marco — Fri, 09 Jan 2015 20:28:00 +0000

Uma ofuscante história sobre coragem

Sinopse

Sekiya Naru é uma garota comum em seus 14 anos: suas notas, aptidões e estética não passam do que é considerado ordinário. Enquanto segue com sua vida da forma mais normal possível, sonha com o dia em que uma de suas idolatradas fadas das histórias fantasiosas a transforme em uma deslumbrante princesa, porém o que ela não esperava era que seu sonho se tornasse realidade ao encontrar uma fada de cabelos dourados dançando sobre um portal japonês, à qual faz o pedido para que a leve para um novo mundo. O que Naru não esperava era que essa fada não passasse de uma futura amiga que abriria seus olhos para o universo da dança.

Review

Pela capa dessa postagem você provavelmente pensou algo próximo de: “Nossa, mais um anime de garotas fofas fazendo fofuras?” e você está absolutamente certo. Hanayamatase encaixa perfeitamente nesse gênero e sabe-se que é um estilo de história já saturado dentro do mercado de animes, contudo aqui encontramos um desenvolvimento que, apesar de ser formatado sobre esteriótipos, adiciona profundidade às personagens, dando uma base para o roteiro acontecer enquanto te ensina a gostar de todas as garotas (todos sabemos que cada um de nós acaba escolhendo apenas uma como best girl, mesmo que seja apenas nesse projeto).

Flagrante no ato do moe!

É fácil relacionar o desenrolar da trama: nós temos a protagonista chamada Naru que em sua dramatização interna de querer se tornar uma pessoa melhor acaba por coincidência se deparando com uma misteriosa “fada”, e no calor do momento faz o desejo de ser levada para uma fantasia, então a entidade misteriosa simplesmente a pede para acompanhá-la numa dança de yosakoi. Fixando seu raciocínio, Naru envergonha-se e foge, consequência de seu medo de falhar em mudar e marca aquela noite como um sonho, algo que ficará apenas em sua memória. Acontece que aquela fada era uma estudante estrangeira transferida para sua sala!

Naruko de Itu?

Após o início da história se consagrar, a cada episódio o restante do grupo vai sendo apresentado para o espectador, trazendo o passado das integrantes do “Clube de Yosakoi” e sua posterior mudança de atitude, dando ao clube a propriedade de ponto de virada na vida de seus membros. Fica mais prático de entender o que o clube significa para cada uma delas, então sem mais delongas, fique com os clássicos, porém bem escritos dilemas pessoais.

A Coragem para Persistir

Hana N. Fountainstanddecidiu insistir e finalmente chegou ao lar de seu sonho, Japão! Com essa premissa nós temos a personagem que deu origem à trama em si; o alicerce dos acontecimentos no mundo de Hanayamata: a mocinha que quer dançar yosakoi.

Se uma loli dessas me chamasse pra dançar eu mandava até um Ragatanga

Hana segue o padrão de “garota propaganda da Sorriso”: sempre alegre, disposta e puxando todo mundo para o seu mundinho serve como o lado próativo da história, dando os pontapés iniciais para tudo acontecer (essa dependência acaba dando um pouco de escassez ao restante das heroinas). Conhece yosakoi numa visita ao Japão quando infante e se apaixona pela arte, ao mesmo tempo criando uma forte determinação pela perseverança enquanto desenvolve uma solidão por não conseguir compartilhar o sentimento pela falta de companheiras, a tornando forte externamente.

Prepare-se para ser abduzida pelo Yosakoi!

Hana se instaura no Japão buscando incansavelmente concretizar seus datados desejos. O tempo que passou agora se torna apenas imaginação, então tudo o que resta é seguir em frente: persistir – o que são semanas ou meses perto de anos? Hana nos demonstra que a perseverança é recompensada; a nunca perder o foco em seus objetivos, mesmo em momentos em que os caminhos a serem escolhidos se mantém equilibrados numa balança: a coragem para sacrificar opções em busca da felicidade.

A Coragem para Contestar

Todo conto de fadas necessita de uma princesa ideal, papel preenchido por Nishimikado Tami. Durante seus 14 anos de vida passou pro aulas de balé, piano, cerimônia do chá, arranjo de flores, linguagens, etc. Tudo para se tornar a “Filha ideal” e receber o orgulho de seu pai em retorno. Seu dia-a-dia se resume a eventos agendados e rotineiros, até observar a determinação da Naru em mudar a si mesma e tudo o que a cerca.

Tami sempre se portou como era lecionada, como era imposto a si, então quem era “Tami”? O autoquestionamento a leva ao desespero em se descobrir como apenas uma colcha de retalhos, criada a partir de sua educação familiar. Então o que Tami teria para procurar? Nada, apenas seguir sua vida como herdeira dos Nishimikado – eis que surge a luz no fim do túnel, representada pela aceitação gratuita que Naru oferece à Tami, mesmo se considerando apenas um frasco vazio. Através desse apoio emocional, Tami toma coragem para contestar seu dia-a-dia e se une ao “Clube de Yosakoi”, agora em uma relação de mútuo apoio com a Naru.

“Se você não se importar de como eu sou, me deixaria ficar ao seu lado?”

A Coragem para Seguir em Frente

Como já é de praxe, apresento a tsundere: Sasame Yaya. Embora atraente e divertida, em seu lado mais sensível se encontra uma garota com medo de perder sua juventude ao apenas seguir um cotidiano comum, logo, monta uma banda e se esforça junta de suas amigas para realizar seu sonho de estreiar como uma banda oficial… o qual é abandonado após falhar em uma audição, fazendo suas companheiras musicais abandonarem o plano.

Já vi coisa demais pra saber onde isso vai terminar.

Perder todo o seu trabalho torna Yaya em uma garota sem rumo, colidindo de frente com a recente sonhadora Naru. Mesmo apenas se expressando com inveja e frustração, distorcendo o que realmente quer dizer (como toda boa tsundere), Naru não nega apoio para sua linda amiga de infância em que se espelhou durante a vida, criando uma reconciliação de forte teor emocional e trazendo mais uma integrante ao “Clube de Yosakoi”. Dessa maneira Yaya, agora prossegue em pequenos passos para uma nova conquista, superando o recente passado.

A Coragem para Perdoar

Tokiwa Machi está no papel de aluna exemplar – nada menos esperado da “Presidente do Conselho Estudantil”. Através de uma rigorosa autoeducação chega a essa posição, mas não foi sempre assim. Espelhava-se em sua irmã mais velha, Tokiwa Sari (identificada como ‘Sally-sensei’) até ser abandonada pela mesma que desiste de herdar a clínica médica de seus pais.

“Esses números não significam nada”

Anos se passam, Sari se torna uma professora substituta e atual conselheira do “Clube de Yosakoi” na escola de Machi e sua relação continua intacta, isto é, em maus ares. Eis que nossa heroina surge para o resgate emocional: sob influência de Tami e Naru, as 4 membros intervém entre as duas, mediando os reais acontecimentos, mostrando à Machi que Sari se arrepende e mudara o suficiente para fazê-la desistir de seu rancor e finalmente perdoar a traição de sua irmã.

A Coragem para Mudar

Por fim, as posições de suporte do enredo e a melhor roteiro de personagem fica para Sekiya Naru, a protagonista. Em sua total normalidade, Naru cresce timidamente, formando uma personalidade introvertida que a traz uma forma de escapismo em suas leituras de fábulas e fantasias românticas: seu sonho de se tornar uma princesa surge daí, diariamente aguardando que uma criatura mística a resgate dos anseios de uma existência simplória.

“Não ter nenhum sonho significa que você tem um monte de espaço para encher de coisas boas!”

Quando o momento de seu resgate do cotidiano supostamente chega, Naru decide por fim à sua breve fantasia e se proteger em sua casca de normalidade. O que não esperava é que Hana a convencesse que ela tinha sim a capacidade de se tornar uma fascinante donzela, então começa a trilhar a mudança que deseja.

No início da trama se passa como uma protagonista padrão: rasa, heróica, genérica, eis que surge o Elemento X: através do yosakoi ela ganha uma aproximação maior com suas prévias princesas, e nessa melhora das relações vai acumulando um teor emocional, gerando maturidade, fazendo-a caminhar lado a lado com todas suas amigas e crescendo cada vez mais.

Sem descanso! Yocchare yocchare yocchare yo!

Naru tem a coragem para mudar a si mesma: a coragem para dar o primeiro passo fora da inércia de uma vida estável; a coragem para fugir da segurança de uma rotina regular em busca de um “novo eu”, e isso é o que a torna em uma garota – melhor, uma pessoa deslumbrante.

Essa determinação em se transformar e superar seus antigos traumas inspira todo o “Clube de Yosakoi”, principalmente Haru que encontrou em Naru uma melhor amiga que levará por toda a vida, já que tomou a mesma paixão pelo yosakoi. Naru então passa de “elo mais fraco” para “elo mais resistente” desse círculo de jovens dançarinas.

Aspectos Técnicos

Animação & Arte

Hanayamata conta com uma estética brilhante, tanto no sentido luminoso como no tom artístico aplicado nas fortes cores, destacando graciosamente o charme de cada heroina apresentada.

O ponto alto do character design são os cílios, “criticados” por amantes do moe pelo seu formato exótico, tomando proporção para o lado dos olhos. De fato é fácil estranhá-lo no início, mas basta um curto tempo para se acostumar e começar a apreciar essa característica.

Fala sério como alguém pode dizer que isso é feio?

A animação é fluída e tem ótimos cortes, principalmente nos trechos de ensaio e comédia, entretanto poderia ser melhor, principalmente no último episódio: a abertura reutiliza trechos da dança ao episódio final, funcionando como uma espécie de propaganda, infelizmente termina numa expectativa frustrada ao se notar que a última apresentação não mostra a coreografia inteira, pedaço que a maioria do público cria vontade de assistir.

Observação: A responsável pelo character design é Watanabe Atsuko, ela trabalhou na mesma área em uns projetos esteticamente diferentes do que você tem por aí – coisa ínfima, mas aplicou seu charme em Acchi Kocchi, Geijutsuka Art Design Class, Machine-Doll wa Kuzutsukanai, One Off e por incrível que pareça, Tokyo Ravens. Acabei me tornando fã da moça sem querer.

Direção & Roteiro

No ponto alto de sua produção, Hanayamata foi dirigido de maneira sublime. A ordenação das cenas de comédia e a metódica separação da ambientação faz com que fique fácil de absorver tudo que é mostrado de acordo com a roteirização do material base.

Olhando de uma forma mais abrangente, a variação da saturação das cores e brilho utilizado faz o visual acompanhar a trama: em eventos comuns o Sol brilha fortemente; ao enfrentar dramas surgem diversas sombras e a pintura se torna opaca; ao dançar, o universo em volta de Naru e cia. torna-se repleto de luz e por aí vai.

Perceba como o céu reflete a cena; cenas mais leves carregam menor saturação e mais brilho.

Nota-se uma leve pressa para prosseguir com momentos de conflitos e tristeza, forçando dramaturgia sem criar um clima com o tempo necessário. Em contrapartida se considerarmos que sua curta duração (12 episódios) e o objetivo parcial da obra (garotas fofas fazendo fofuras), o resultado ficou dentro do padrão de qualidade – com foco no conto de Tami, o melhor condensado dentre todos apresentados.

Curiosidade: A diretora aqui é Ishizuka Atsuko (coincidentemente o mesmo nome da designer), a mulher que na temporada anterior à Hanayamata dirigiu nada mais nada menos que No Game No Life. Dá pra sentir um pouquinho de NGNL com o ritmo das seções de humor.

Sonoplastia

Dá pra dizer que um pouco mais da metade dos sons apresentados, fora dublagem, são efeitos sonoros. Existem momentos que o fundo musical é quase uma melodia composta por esses efeitos, logo, o uso excessivo incomoda, principalmente em momentos de informações relevantes (o popular infodump).

Nem tudo são flores. Captaram?

A trilha sonora propriamente dita é produzida em grande parte sobre pianos, violinos e flautas-doce e de uma canção especial: 「Hana wa Odore ya Irohaniho」 é a música composta pelas mocinhas para suas apresentações, interagindo com a própria história e a letra condiz totalmente com o a mensagem do autor ao escrever Hanayamata.

Conclusão

Inspiração é algo que pode vir de qualquer fator externo: clima, conversas, animais minúsculos ou gigantes, o raiar do Sol, o brilho da Lua, filmes, séries, animes. Hanayamataem sua totalidade florida pode, com toda certeza, motivar seu público de alguma maneira, apesar de ser formatado sobre o dito banal gênero moe.

Desapontante gente que julga obra por demografia né?

Aqui temos mais uma daquelas histórias que todo mundo está cansado de ouvir, então qual o sentido de assistí-la? Simples: é boa. Assim como mechas estão para conflitos baseados em segregação, aqui encontramos uma releitura de superação, amizade e coragem como vistos em Ookami-san, Angel Beats!, Hourou Musuko, Kotoura-sane Little Busters!. Os enredos podem variar, mas a saborosa essência se manterá intacta, tanto nos supracitados vistos por mim como em futuros “Hanayamatas”que veremos por aí.

Arte – 08/10
Direção – 08/10
Roteiro – 07/10
Sonoplastia – 07/10
Entretenimento – 07/10
Nota Final – 07/10

Recomendado para quem gosta de:

Arte vívida
Desenvolvimento emocional
Enredo diabético
Fofura inigualável
Fortes amizades
Protagonista com evolução
Slice of Life

Bônus

Caso ninguém tenha percebido, existem algumas referências em Hanayamata, uma em especial que brilha fortemente: O pai da Tami. Ele tem o mesmo porte, design facial (até onde mostra), cavanhaque característico e voz muito semelhante à de Tohsaka Tokiomi, mais conhecido como “pai da Rin” que estreou Fate/Zero.

“Procure consistentemente manter o fluxo apropriado”

E uma arte que me chamou bastante atenção, representando o que realmente acontece durante esses 12 luminosos episódios:

É a Naru que segura as pontas desse clubinho partindo com as melhores atitudes subliminares.

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Review — Red Data Girl

Marco — Fri, 05 Sep 2014 05:41:00 +0000

Sinopse

Red Data Girl se trata de uma história baseada em volta do Red Data Book (RDB), um livro que determina as espécies de animais com risco de extinção e os com maior risco dessa ocorrência são impressos em páginas vermelhas, logo, Red Data Girl se trata de garotas com poderes misteriosos em risco de extinção.

Nossa protagonista é Suzuhara Izumiyo, herdeira do clã Suzuhara que mantém conexões com o mundo espiritual em forma de receptáculos de divindades, habilidade rara dentre humanos. A obra conta suas desenvolturas sobre como lidar com seu destino em ser uma pessoa especial ao lado de Sagara Miyuki, descendente do clã de monges exorcistas que servem a família Suzuhara. Ambos têm um mesmo objetivo: viver uma vida comum com a escolha de criar seus próprios caminhos ao invés de seguir o que lhes é imposto, porém de que forma isso é possível?

Review

Pois bem, Red Data Girl é um anime exótico porque ele não tem um objetivo claro, acaba se atropelando sobre seus arcos, porém não é um perdido da vida (olá Suzumiya Haruhi). Com um ritmo de oratória manso, você fica com muito tempo para apreciar os cenários maravilhosos que a P.A WORKS produz, mas isso sai pela culatra pelo vazio que ele deixa ao ser finalizado. Deixe-me ser mais específico.

Não fique com essa cara, Izumiyo. Não é sua culpa… dessa vez.

Primeiramente, os personagens não são fracos mas sofrem de um descaso inimaginável. Começando pela personagem principal, Suzuhara Izumiyo: descendente de um clã de oráculos e atual abrigo carnal de uma Deusa viva em sua família por duas gerações, por causa de seu poder espiritual alto, consegue enxergar que tipo de entidade se trata ao visualizá-las, interage misticamente com qualquer produto eletrônico como celulares, muitas vezes danificando-os acidentalmente e como é tratada com todo cuidado pelos empregados da família, cresce como uma garota tímida e se torna reclusa ao não conseguir decidir nada sobre sua vida.

Eles estão mais próximos do que você imagina!

Certo, a partir desse ponto começa o anime em si; o momento que Izumiyo decide mudar com um simples corte de cabelo é o instante que inicia sua romaria à liberdade, mas a cada medida preventiva sobre sua jornada ela cai em um pessimismo constante. Tudo bem até aí, mas esse aspecto é utilizado em toda parte que isso acontece, criando “loops de personalidade” como citei em minha Resenha de Black Bullet sobre ‘Satsumi Rentaro’ e como usam em qualquer situação que envolva a ‘Sadako’de “Kimi ni Todoke”.

Aqui começam as minhas escolhas, a minha vida!

Pulando para o segundo protagonista dessa obra, Sagara Miyuki, filho do exorcista-modelo-médico-piloto-professor-guardacostas-tutor Sagara Yukimasa que é obrigado pelo pai – servo da família Suzuhara, diga-se de passagem – a ser uma espécie de “Trainee de Monge” ao mesmo tempo em que protege Izumiyo de males que podem ocorrer em seu dia-a-dia, começando a partir desse momento a conviver com ela. Sua personalidade é interessante, ele é extremamente agressivo porém sincero; direto porém respeitoso; arrogante porém justo.

Facilmente descrito como melhor personagem do enredo, rega Izumiyo com pressão sobre sua falta de atitude (estes trechos são bem fortes, mérito do dublador que transferiu bem a emoção pro personagem) mesmo sendo praticamente o ser mais fraco de todo o enredo, demonstrando que mesmo julgado como um inútil, é capaz de tentar qualquer coisa para cumprir seus deveres e fortalecer a si mesmo. Com o passar do tempo ele descobre que ela tem o mesmo objetivo que ele de ter uma vida pacífica, só que suas personalidades são totalmente opostas, então a comunicação entre os dois falha diversas vezes mas acabam se entendendo de acordo com o desenvolver de sua convivência.

Nada melhor que um garoto inútil para acompanhar uma deusa.

Então temos a parte boa de Red Data Girl: um romance agressivo. Em primeiro plano é facilmente julgado como algo “estranho” ou você olha para a pequena Izumiyo como uma “mulher de bandido”, contudo existe mais do que pobres olhos conseguem enxergar. Essa diferença enorme entre eles não se transforma em um caso de melação onde um lambe as feridas do outro como fazem no triste “Sukitte Ii na yo”, mas de aprendizagem e dependência mútua – o que particularmente acho muito mais bonito do que aquele sentimento direto de afeição.

O restante da gama de personagens é interessante porém com fraca presença, principalmente os trigêmeos Sonda que lembram facilmente vilões imortais como ‘Sigma’ da franquia de jogos “Megaman X”; em outras palavras, mesmo sendo claros coadjuvantes, se tornam o foco em diversos períodos do anime, além de que suas personalidades variam demais entre as divisões em cada período. Um belo exemplo é que ao conhecerem os trigêmeos, descobrem que um se tornou parte de uma entidade divina e por algum motivo manteu sua personalidade distinta; manteu-se como Masumi para logo no seu próximo arco se transformar nessa tal entidade e, mesmo depois de selado, retorna facilmente como Masumi sem ao menos uma explicação das que ocorrem durante outros fatos adentro o anime.

Assim fica clara a existência de buracos enormes no roteiro envolvendo os personagens, com exceção da entidade denominada Himegami que incorpora nas descendentes femininas da família Suzuhara. Sua adição ao enredo é um ponto positivo, pois traz um senso de direção aos infelizes personagens, mesmo que tardio.

Com esse olhar perspicaz, será a maior aliada ou inimiga da humanidade?

O universo em que se passa a trama é legal de observar também, pois ele não abusa de seus recursos, isto é, mantém o significado do termo “raridade”, não trazendo receptáculos espirituais dos sete mares ou concentrando entidades espirituais em um local só dentro do mundo inteiro. Não instiga aquela curiosidade que traz à tona seu Sherlock Holmes interior, mas não é raso o suficiente para ser denominado como fútil, apenas mal aproveitado.

Aspectos Técnicos

Arte

P.A. WORKS sempre tem seu trabalho nessa parte como nada menos que impecável. A cenografia é praticamente perfeita, não existe preguiça no traçado dos personagens, a anatomia dos mesmos é concisa e a coloração & sombreamento tem suas projeções exatamente onde deveriam estar e, como sempre, falta aquele toque de excelência para completar uma nota máxima.

Direção & Roteiro

Faltou esforço em manter o telespectador entretido, na direção principalmente. O tempo que se perde com cenas de transição ou com o dia-a-dia dos personagens é muito grande para o porte dos mistérios em volta do futuro desse mundo. O roteiro ficou abaixo da média pela inconsistência dentre as cenas calmas e suas partes lotadas de diálogos massivos com termos específicos. Os encantamentos eram legais pelo menos, fiéis à realidade. Em suma faz-se parecer que não houve comunicação entre o diretor e o roteirista durante sua produção.

Sonoplastia

Não há muito o que falar por aqui, não houve uma sincronia exata das letras da Abertura e Encerramento dos episódios mesmo que bem encaixadas para o clima do anime. O uso da artista “Annabel” na Abertura ｢Small Worldrop｣ foi uma boa escolha pelo lado Slice of Life + romance incluso e a canção ｢Yokan｣ de “Masumi Itou” com letra totalmente referente aos sentimentos da Izumiyo com um tom folclórico (lembrando a Himegami) ficou bem interessante. As trilhas sonoras originais não têm um tom ativo, aumentando ainda mais o sentido de tentativa de vivências comuns do anime, o que acabou sendo o foco do mesmo como um todo.

Conclusão

Red Data Girlpoderia ser bem melhor, mas o material base escolhido pelo jeito não foi suficiente para criar uma obra que unisse um ‘estilo de vida pacífico’ com ‘perigo constante’ em perfeita harmonia. A questão técnica de criação está em ótima forma e mesmo com personagens abandonados, foi possível uma volta por cima com uma passagem coesa das emoções pelas falas dos mesmos, todavia o conteúdo foi ralo, não acompanhando a qualidade imposta desde o início, ou seja, o conjunto estava assíncrono demais.

Ao menos suas representações visuais são fascinantes.

Penso que a culpa cai mais na direção do anime pelo descaso sobre seu objetivo principal, mantendo um Slice of Life junto ao mundo “onmyouji” ao invés de proferir seu inverso. No final das contas, mesmo com suas falhas claras, é uma boa experiência pelo romance agressivo que ocorre entre os dois personagens principais e já deixo aqui um presentinho para quem for se aventurar nos cenários magníficos: não há nenhum beijo no anime inteiro e mesmo assim você sente a aproximação entre os dois pelo expressionismo bem direcionado de ambos, o que é lindo de sua própria forma especial.

Arte — 8/10
Direção — 4/10
Roteiro — 3/10
Sonoplastia — 6/10
Entretenimento — 7/10
Nota Final — 6/10

Recomendado para pessoas que gostam de:

Cenários lindos
Drama mediano
Folclore japonês
Simples desconstruções de gêneros (romance)
Slice of Life
Temática espiritual

Comentário pessoal: Quando decidi ir assistindo continuamente, percebi que os episódios pareciam muito mais longos que 22 minutos, ou seja, a impressão de aproveitamento de cada episódio se mostrava boa. Ao terminá-lo refleti sobre isso e notei que se essa ilusão fosse utilizada corretamente, Red Data Girl poderia ser uma obra prima. Como isso infere uma alteração na “noção de tempo” do telespectador, não coloquei como um ponto fixo, mas gostaria de que se alguém o assistiu também, comentasse se aconteceu o mesmo consigo ou se sofreu outra forma de ilusão, etc.

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