As cenas dessa loli são estranhamente mais legais que a dos outros heróis. A direção adora colocar o cabelo delas esvoaçando com controle de câmera dando zoom in e zoom out. Alguém da staff deve gostar muito dela.

Agora é esperar a luta contra o Caçador de heróis para ver outra luta que demora mais de um soco para terminar (bem mais, e cheia de “socos sérios”).

Eu tinha minhas dúvidas, mas judiar do Genos é uma piada da série mesmo. Até quando ele não luta nada acaba quebrado!

Mais uma que virou meme na internet toda.

Episódios anteriores:
1. Impressões dos episódios anteriores de One Punch Man
2. Top 5 Melhores animes de comédia com ação

One Punch Man é uma obra estranha. Embora muitos façam propaganda da arte sensacional do Murata (desenhista) e das lutas, ele é em essência uma paródia de um super herói entediado com a vida por ser forte demais, aonde por mais legal que sejam as lutas, elas são sempre criadas em um contexto nonsense. Os vilões (e vários dos heróis) são um mais ridículo que o outro, com sua história de criação sempre sendo uma espécie de paródia a Power Rangers ou shounens de ação, e o herói, que fica mudando de uma carinha séria para uma que lembra aqueles “modos chibi” o tempo todo, também dão uma noção de que a obra não se leva muito a sério. 

Se a pessoa for com a ideia que One Punch é uma comédia com cenas de ação legais (ele se encaixaria bem no meu Top 5 de comédias com ação até), ao invés de achar que vai assistir algo sério, irá se dar muito bem com a obra. Caso contrário pode se frustrar um pouco, como já vi alguns fazendo por pensarem que seria um shounen de ação com super heróis.

Saitama e Genos.

Adaptar o começo de One Punch era meio complicado porque são apenas 4 histórias soltas com o protagonista cada hora enfrentando um inimigo diferente ou falando da vida dele antes de virar um super herói (ele era mais “cool” com cabelo falando nisso, o que segundo ele foi o preço pagar por treinar tanto hahaha). Se você notar dá até pra trocar as coisas de ordem no episódio 1 sem afetar nada. Só quando Genos (o herói meio robô da última imagem acima) aparece que a história ganha um pouco mais de linearidade, ainda que não tenha plots muito longos, ao menos começa a haver uma sensação de continuidade e progresso na história, conforme o Saitama sobe nos ranks da associação de heróis com seus feitos e vai fazendo amizade com outros super heróis.

O Genos é uma ferramenta do enredo para gerar comédia junto ao protagonista e alguém para criar lutas mais movimentadas, já que apesar de ser muito forte ele não é exagerado como o Saitama, então as lutas dele são bem disputadas. A não ser que adicionem partes originais não espere o protagonista se movendo igual nesse final do episódio 1, ao menos não até a saga do alien super sayajin Borus, lá para o final do primeiro cour. Quem vai protagonizar as lutas de movimento apartir do episódio 2 do anime é o Genos, como os trailers do final do post revelam bem.

Esse primeiro episódio de One Punch fez um ótimo trabalho em apresentar a principal frustração do protagonista: “ser forte demais é chato”. Uma coisa que é levada de forma cômica na obra mas muitos autores por ai deviam refletir sobre, já que colocam personagens absurdos em suas obras sem inimigos a altura, gerando um bando de lutas tediosas no processo. A maioria das pessoas quer ver o personagem ao menos suar nas lutas, não ganhar com cara de tédio, ou se o fizer, ao menos que o enredo esteja consciente do quanto isso é chato, como One Punch Man faz.

A parte do episódio com o protagonista melancólico e uma OST de fundo triste pelo vazio que ele sentia a cada dia por não ter um desafio de verdade ficou muito legal. A interação e luta dele com os vilões ficou boa também, cheia de cortes fluidos e um pouco de comédia. Mas foi o final que me ganhou. Com base naquela luta do final começo realmente a achar que esse pode ser um dos destaques do ano, e não só um bom anime seguindo o original fielmente.

Luta do final do episódio 1:

Essa luta do anime é do capítulo 4 do mangá, mas são só umas 6 páginas, quase tudo que teve no anime naquela luta foi original, transformaram 5 páginas em 4 minutos de luta! E que luta! Mesmo eu não sendo tão fã da distorção de design para gerar impacto, foi um senhor show de animação fluida e excelentes coreografias de ação (vai ter maluco dizendo que vão corrigir as deformações do design ou cortes de animação meio cartunescos no BD, mas não esticam personagens em cortes fluidos sem querer! Fazem de propósito! Eu entendo quem prefere um design sem deformações em lutas fluidas como em Fate, mas aquelas de One Punch são propositais, e como é um anime de comédia eu acho até que combina).

A OST pela qual eu não dava muito depois de saber quem era o compositor (aqui), ficou até boa, ela realmente empolgou na luta da ponte e emocionou na luta contra os gigantes. O problema é que de uns 5 a 7 tracks diferentes que tocaram só 2 se destacaram (os da última luta).

A melhor parte do episódio ser algo quase todo original do anime é um ótimo sinal, o problema é que agora fica a expectativa para que façam mais disso, já que ninguém quer que essa seja a luta mais legal do anime, queremos algo ainda melhor. Só que honestamente, não lembro de nenhum luta empolgante como essa no mangá, então espero que inventem uma no anime (podem tornar aquele Alien mais desafiador do que foi por exemplo, fazendo o Saitama se mexer mais, como na luta desse episódio 1). De qualquer modo, se One Punch não cativa com uma trama que você quer saber como continua – a lá Attack on Titan -, ao menos ele te dá lutas bem legais, te incentivando a voltar para ver mais.

O número de episódios ainda é um mistério. Usaram metade do volume 1 nesse primeiro episódio, o que funcionou bem. A luta contra o alien Borus, que é o maior climax que teve até agora no mangá, vai do meio do volume 6 até o meio do volume 7. Se levar em conta que uns 4 capítulos nesses 7 volumes são praticamente gifs com movimentação de luta detalhada, que vão ser adaptadas em menos de 1 minuto no anime, essa luta contra o Alien do volume 6 deve dar as caras no episódio 11 ou 12.

Se for 2 cour (24 episódios) só com o material do mangá (9 volumes), não vai dar, então vão muito provavelmente usar o mangá original (One Punch era um mangá amador que foi relançado com desenhos do desenhista Murata depois. O original ainda é publicado e está bem adiantado comparado a versão refeita, então podem usar ela de base para fazer um segundo cour, totalizando uns 24 episódios). De qualquer forma, com 12 ou 24 episódios o anime deve fica bem legal se continuarem aumentando as lutas como fizeram nesse episódio.

Editado 01/10/2015 -> O anime foi confirmado como 12 episódios.

O grande público vai puxar o saco da Madhouse se algo ficar do jeito que eles queriam e reclamar da Madhouse do que não ficou do jeito que eles queriam (como a animação ser meio cartoonizada as vezes), mas fica dica de que o diretor principal dessa obra é um freelancer sem ligação com a Madhouse, que cada hora está em um estúdio diferente (o último trabalho dele foi Space Dandy do Bones). O diretor de animação principal e designer também é um freelancer, assim como os principais animadores que estão trabalhando na obra (alguns são do estúdio Bones). A Madhouse é basicamente o estúdio que eles estão usando como suporte mas a adaptação é feita por um bando de freelancers talentosos sem ligação com o estúdio, lembrem-se disso na hora de dar todo crédito ou meter o pau no estúdio. Mencionar o diretor em vez disso é uma ideia melhor. Ninguém dá o crédito ou reclama da Warner Bros pelos filmes do Cristopher Nolan, então porque fazer isso com animes?

Uma coisa que não gostei, por exemplo, foi a arte dos backgrounds ser bem genérica. É algo pequeno, então não importa tanto, mas um background mais destacado sempre dá um charme a mais (principalmente se você quiser um tom cinematográfico). Quem escolheu eles foi muito provavelmente o diretor, já que quase nenhum estúdio faz backgrounds, eles encomendam de estúdios especializados nisso. Então mesmo acertando no geral tá ai uma coisa pra cutucar nas escolhas da direção. É aquele famoso “não ficou ruim, mas poderia ter ficado melhor”.

“Mega hits” são animes fechados de temporada que viralizam na internet a ponto de ficarem super populares em todo canto do mundo. Aquele anime que tem tanta gente assistindo que você, mesmo não estando afim, começa a ver também, só para não ficar por fora das frequentes discussões sobre o mesmo.

Muito se especula se One Punch vai ou não virar o mega hit de 2015 (que até agora não teve nenhum). Virar um mega hit não é muito fácil, depende não só de características como plot acessível para quase todas as etnias (não ser muito focado em costumes da sociedade japonesa), ter um enredo simples e personagens que o público consiga simpatizar, mas sempre tem um pouco de sorte envolvida também.

O último mega hit foi SnK em 2013 e SAO em 2012, em 2014 teve animes bem populares mas nenhum “mega hit”, e esse ano ainda não apareceu nenhum também. One Punch Man tem chances? Eu acho que sim, super heróis é uma coisa bem universal e o enredo de One Punch é bem simples (até demais para seu próprio bem). Mas devido a ser uma comédia sem plots que durem mais de 2 episódios, ao invés de um anime sério com enredo linear, pode acabar não dando tão certo para todo mundo como se pensa, afinal, nunca houve uma comédia mega hit, só animes de aventura, ação e suspense que se levavam a sério (Code Geass, Death Note, SAO, SnK). Outro problema pode ser a animação estilizada que aparece as vezes, que muita gente não tolera, mesmo em comédias.
No mais veremos se uma comédia com bastante ação vai conseguir o posto de mega hit pela primeira vez.

Estúdios costumam começar com uma staff de poucos funcionários, animadores (desenhistas/ilustradores) em sua maioria. No início produzem apenas  pequenas partes de animes que estão sendo feitos por outros estúdios maiores, ou, em outras palavras, são “sub-contratados”. Conforme o estúdio ganha dinheiro com seus pequenos trabalhos e investe em mais funcionários e infraestrutura, o normal é que em algum momento ele vá começar a produzir animes por si só.

Apesar de eu dizer “por si só” não existe estúdio que não sub-contrate outros (terceirize) na produção de animes – tirando a Kyoto Animation, da qual eu falarei mais a frente. A diferença é que alguns sub-contratam menos e outros mais – o que costuma interferir na qualidade, vale dizer. Isso é devido ao modo como a industria de animação funciona. Um estúdio que deixa um funcionário parado está perdendo dinheiro, então mesmo estúdios grandes colocam quem estiver livre para produzir partes de animes de outros estúdios (sub-contratos). Motivo pelo qual mesmo com um grande número de funcionários é quase impossível um estúdio produzir um anime sozinho, já que uma parte dos funcionários dele sempre está trabalhando em outros projetos, ainda mais em estúdios que produzem vários animes ao mesmo tempo.

Outro fator é como os episódios são produzidos: conforme o storyboard (rascunho visual do episódio) vai sendo terminado animadores são alocados para transforma-lo no que veremos na tela (o produto final), mas cada storyboard costuma demorar de 1 a 2 semanas para ficar pronto, então não adianta ter vários animadores livres no estúdio porque só alguns poderão ser alocados para cada episódio conforme o storyboard é finalizado, e não adianta ter vários responsáveis por storyboard e direção de episódio livres também, porque o script (roteiro) para todos os episódios ainda não está pronto quando a faze de storyboard começa. Quando a staff que está trabalhando em um episódio o finaliza ela é normalmente alocada para um episódio mais a frente que ainda está em pre-produção. No mundo ideal as produtoras dariam tempo ao estúdio para terminar todo o anime antes dele ir ao ar, mas como isso sai mais caro é quase impossível de acontecer.

Após os estúdios crescerem começa o problema com a troca de funcionários. Os mais experientes começam a se destacar e acabam sendo chamados por outros estúdios ou mesmo se tornam freelancers. Quase todo diretor considerado acima da média hoje em dia é freelancer, e embora possa trabalhar com mais frequência no estúdio onde começou a maioria costuma aceitar trabalhos de qualquer outro, caso estejam livres. O que eu disse vale para diretores de episódio, diretores de animação, designers de personagem e animadores talentosos também.
Os problemas mais frequentes que isso causa são alguns estúdios tendo que contratar muito animadores novatos ou perdendo alguns mais experientes em determinada parte do ano, com isso impactando nos animes que produz.

Muito desse troca troca de funcionários acontece porque a maioria dos estúdios não oferecem bons salários ou ambientes de trabalho saudáveis (relatos de animadores sendo obrigados a trabalhar mais de 10 horas por dia, 7 dias por semana, são frequentes), incentivando cada vez mais o mercado de freelancers, que trabalham aonde querem e podem até mesmo cobrar mais por isso em alguns casos.

História

Em termos de história a maioria dos estúdios é parecido, e como quase todos trabalham da mesma forma depois de estabelecidos não vale muito a pena ficar entrando em tantos detalhes desse aspecto. Basicamente quase todo estúdio é formado pela staff que saiu de um estúdio maior. A maioria dos estúdios de hoje em dia foi formado por ex-funcionários da Sunrise, Tatsunoko e Mushi Production. Na imagem abaixo segue as relações dos principais estúdios japoneses no aspecto de “membros de que estúdio fundaram o outro”:

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Tem alguns casos interessantes como o Madhouse quase indo a falência até ser comprada por uma estação de TV (NTV) em 2011. Ou o Gonzo que quase faliu em 2009, vendeu quase tudo que tinha pra pagar a dívida de 30 milhões de dólares, juntou o que sobrou em uma de suas subsidiarias e continua tentando sobreviver até hoje. Estúdios falindo ou mal das pernas é normal, mas com certeza dá lucro também, porque todo ano nascem novos.

Já me pediram várias vezes para continuar aquela seção explicando sobre cada estúdio, uma ideia que eu achei legal na época mas considerei inviável depois que aprendi mais sobre como os estúdios funcionam. Basicamente, estúdios de animação são instáveis, principalmente os que ganham fama de um ano para o outro porque fizeram 2 a 3 animes populares seguidos ou porque de repetente começam lançar vários projetos com animação acima da média. Os geradores mais comuns dessa instabilidade positiva e negativa costumam ser financeiros (investimento dos donos da empresa) e por parte da entrada e saída de funcionários, com os melhores diretores ou animadores abandonando o estúdio para entrar em outro ou se tornarem freelancers, levando a uma piora das produções, ou então o estúdio contratando uma nova leva de funcionários que acabam se mostrando talentosos, levando a uma melhora das produções. Outra opção é ele ter dado sorte ou escolhido muito bem a staff de freelancers que comandou os últimos animes feitos no estúdio. Freelancers, inclusive, são o motivo pelo qual super valorizar estúdios de animação com politicas de produção normais é algo sem muito sentido, e que nos leva ao próximo tópico.

Staff  X Estúdio

Grande parte dos animes hoje em dia é feita por diretores, diretores de animação e designers freelancers. Eles estão no mercado, tem contato com vários estúdios e ficam pulando de um para o outro conforme a demanda. Imagine o diretor e revisor de animação/designer de personagem como 50% da garantia de qualidade visual da obra, já que são eles que vão revisar tudo antes de ir ao ar (os outros 50% são o tempo para produzir o anime e verba que a produtora dá, somados ao que o estúdio pode oferecer em termos de staff auxiliar e infraestrutura).

Staff do anime “Shirobako” (um anime sobre os bastidores da industria de animação japonesa) reunida.

Um diretor com muitos contatos pode chamar animadores, diretores de episódio ou designers em quem confia para cobrir as fraquezas do estúdio em que está trabalhando – motivo pelo qual mesmo trabalhando em estúdios diferentes é comum que as obras de alguns diretores mantenham um certo padrão de qualidade. Um exemplo recente disso é o diretor Tsutomo Mizushima (Shirobako, Blood C, Girls und Punzers, WitchCraft Works, Genshiken). Ele dirigiu animes para os estúdios PA Works, Actas, J.C Staff, Ajiado, Production I.G e Diomedea de 2010 a 2015, e embora o roteiro desses animes seja discutível a parte da produção técnica de todos eles é bem feita, sendo que a única coisa que todos tinham em comum é o diretor. Girls und Punzers, inclusive, teve problemas com o cronograma de produção, graças ao estúdio pequeno em que estava sendo feito e cronograma apertado. Para não prejudicar a qualidade o diretor adiou em 2 meses a entrega dos 2 episódios finais, algo que poucos fariam. Outro exemplo famoso é Shigishiro Watanabe (Cowboy Bebob, Sakamishi no Apollon, Samurai Champo, Space Dandy, Zankyou no Terror). Não importa se no estúdio Mappa, Bones ou Manglobe, as obras dele sempre tinham animação e parte artística acima da média (de novo, achar o roteiro bom ou não é uma discussão a parte).

Como vou explicar em um outro post, com raras exceções, eu considero o estúdio depois da staff, tanto pela maioria deles não ter uma staff de profissionais muito acima da média, que vá fazer a diferença, quanto o anime ser uma representação dos gostos e vontades do diretor, e não do estúdio em que ele está trabalhando. Mesmo que a produtora impeça ele de fazer grandes mudanças na obra original – no caso de uma adaptação -, ele ainda pode colocar um pouco dele na parte artística e escolhas de storyboard. Alguns estúdios no entanto, se apoiam tanto em apenas um diretor fixo que a visão do diretor acaba virando a cara do estúdio. O exemplo mais comum é a Shaft, que a mais de 5 anos usa o mesmo diretor em todos os animes deles (os que ele não dirige ele supervisiona).

Relevância do estúdio

Quem faz grande parte das conexões para produção de um anime é o estúdio: gerenciamento de produção, cronograma, sub-contratos, e em vários casos é ele que escolhe o diretor que vai trabalhar no anime (caso a produtora não sugira um). É dele também que vai vir a maioria dos animadores e diretores de animação de cada episódio. Mesmo que um diretor freelancer tente chamar algumas pessoas acima da média de fora do estúdio para melhorar alguns aspectos da produção, é praticamente impossível conseguir verba para criar uma staff de anime toda feita de freelancers talentosos. E é ai que vem o valor de produzir um anime em um estúdio cheio de funcionários de ponta. É comum inclusive acontecer de um episódio de um anime sair mais bem produzido que os outros quando dado para um “diretor de episódio” e “diretor de animação” talentosos, as vezes melhores até mesmo que o “diretor geral” do anime.

É fato que alguns estúdios conseguem manter um quadro de funcionários mais experientes ou pelo menos manter uma boa relação para que mesmo que eles se tornem freelancers voltem a trabalhar com o estúdio frequentemente. Um exemplo disso é o Bones, cujas produções “na maioria dos casos” são acima da média (tirando no início de 2014 quando tentou fazer 5 animes ao mesmo tempo), enquanto a maioria dos outros estúdios é instável demais para classificar. Eles podem estar acima da média em um ano e mediano dois anos depois devido a algum problema, ou então o contrário. Também é comum acontecer de sair um anime muito bem feito entre os diversos animes que um estúdio faz durante o ano – possivelmente mérito de um staff diferenciada -, mas isso não torna o estúdio bom. Eu poderia citar uns 3 estúdios que vem se destacando nos últimos 2 anos, mas eu duvido muito que isso se mantenha estável, e caso o estúdio tenha um ano ruim em 2016 esse post ficaria datado.

Verba para o anime obviamente interfere em quanto o estúdio pode gastar por episódio, mas como eles não liberam esses dados é algo que não adianta especular muito. Se sabe que existe uma média padrão de aproximadamente 1,2 milhões de dólares para produção de um anime de 12 episódios, alguns conseguem uma verba um pouco maior que isso e outros um pouco menor, mas dificilmente uma produção ganha o dobro ou a metade.

Os estúdios também podem escolher aceitar ou não trabalhos com prazos muito apertados, verbas abaixo da média ou staffs medíocres, cabe ao gerente ou acionistas do estúdio essa decisão de filtrar (ou não) as obras que produzem, mas na maioria dos casos eles veem “quando mais trabalho, mais dinheiro, melhor”, o que gera produções conturbadas, com estúdios não dando conta de produzir direito os vários animes que pegaram ao mesmo tempo ou indo mal devido a uma staff ruim. Ainda assim, é o modo que eles encontraram para sobreviver: ou aceitam o trabalho que tiver e alocam a staff que encontrarem livre ou ficam escolhendo muito, investindo em animes originais sem apelo para o grande público e vão a falência.

Não culpe o estúdio por um roteiro ruim!

Por último, vale ressaltar que todos os compositores responsáveis pelo soundtrack e roteiristas são freelancers, e chegam até a trabalhar em múltiplos animes de diferentes estúdios por temporada. A ligação deles costuma estar mais atrelada ao diretor ou produtora (quem banca o anime), que costuma chamar roteiristas e compositores com quem já trabalhou e gostou, do que ao estúdio. Portanto, reclamar do estúdio porque achou a história do anime ruim é a coisa mais equivocada que se pode fazer. O gerente do estúdio dificilmente vai meter o dedo no roteiro de um anime, isso cabe a staff do anime, com o principal responsável sendo o roteirista, e, o diretor, que pode ou não aprovar os roteiros feitos (principalmente em animes originais), quando não está de mãos atadas por ordem da produtora, que pode querer algo o mais fiel possível ao original, no caso de um anime adaptado de outra mídia. Já a qualidade técnica da animação (fluidez, consistência e parte de viés artístico), sim, disso você pode reclamar do estúdio e da staff escolhida, freelancers ou não.

Estúdios com metodologias de produção diferenciada

Explicado com a maioria dos estúdios normais funciona, tem 4 deles que são exceções a tudo que falei:

Estúdio fundado pela produtora Aniplex e um ex-funcionário do Sunrise. Ele não tem staff fixa, ao invés disso contrata um bando de freelancers para cada anime que produz, e o que o time de freelancers não der conta é passado para outros estúdios fazerem por sub-contratação. Devido a esse método de contratar freelancers as obras do estúdio dificilmente tem uma qualidade de produção horrível, já que para um animador ou diretor ser freelancer ele precisa de um mínimo de experiência (um currículo decente). O problema é que todo anime deles sempre tem boa parte dos episódios por sub-contratação, o que torna difícil produzir vários episódios acima da média, ainda mais quando o tempo para a produção é muito curto.

Normalmente a staff de freelancers foca em alguns episódios mais importantes ou cenas chave, deixando o resto para os estúdios sub-contratados. A parte dos estúdios sub-contratado ficar boa ou não vai depender do nível do estúdio sub-contratado, do nível de exigência do diretor e animador chefe na hora da revisão, além é claro, do tempo que eles tem para entregar o episódio  – se for longo eles podem dar mais coisas para a staff principal de freelancers fazer, diminuindo as sub-contratações necessárias ou mesmo dando mais tempo para refazer o que ficou ruim. Então enquanto um estúdio comum está sempre contratando novatos para renovar a staff experiente que acaba saindo em busca de melhores salários, a A1 quase sempre garante que uma parte da staff vai ser de um pessoal experiente, já que não dá pra entrar no mercado de freelancers sem ter um currículo ao menos mediano pra mostrar. Infelizmente, experiencia na industria não significa qualidade (tem muito diretor ruim com currículo gigantesco), mas ao menos costuma evitar desastres completos.

Vale notar que nem todos os animes produzidos pela A1-Pictures são bancados pela Aniplex (ex: Fairy Tail, Space Brothers, From the New World, Denpa Kyōshi), e nem todos os animes bancados pela Aniplex tem uma staff muito acima da média ou mesmo prazos de produção extensos o bastante para se produzir algo consistente em termos de animação. Ainda assim, tense observado que os animes produzidos na A1 cuja produtora é a Aniplex costumam ter uma qualidade técnica superior aos bancados por outros produtoras (exemplos já citados acima).

Shaft:
Shaft é um estúdio curioso porque com o passar do tempo ele baseou toda sua politica de trabalho e apelo visual a visão de um diretor apenas (Akiyuki Shinbo), que está por trás de todas as obras do estúdio desde 2009, nem que seja na supervisão. De resto é um estúdio comum. A Shaft tem apenas 2 animadores acima da média para fazer cenas exigentes (Ryo Imamura e Genichirou Abe), com o resto do estúdio sendo composto por um quadro normal de funcionários novatos e ou com experiencia média. O problema do Shaft é que ele costuma pegar mais do que consegue produzir e tem uma administração de cronograma horrível, o que faz com que quase todos os seus animes tenham problemas de produção visuais em algum momento, mesmo que o diretor tente contornar isso com uma animação menos exigente (econômica). Os BDs do estúdios, comparativamente, são os que apresentam mais mudanças graças a isso (algumas mudanças não são correções no entanto, e o Shinbo ficou famoso por ninguém entender algumas coisas que ele coloca diferente no BD, já que algumas cenas parecem mais mal desenhadas no BD do que estavam na versão TV). O real problema da Shaft, no entanto, é o que o estúdio vai fazer se o Shinbo se aposentar ou sofrer um acidente, porque o estúdio se tornou totalmente dependente dele.

Kyoto Animation:
O mais consistente estúdio do japão em termos de qualidade de produção de animes para TV. O estúdio conseguiu isso criando uma filosofia distinta de só ter profissionais talentosos trabalhando para ele, além de prazos de produção bem maiores que o normal. Como ele faz isso? Ele criou uma escola de animação aonde os professores são os animadores e diretores do estúdio, que são, basicamente, professores super gabaritados. Dos formados dessa escola só os mais talentosos são chamados para trabalhar no estúdio. Alguns são melhores que outros mas todos são acima da média ou talentosos de alguma forma. A KyoAni também é o único estúdio a não sub-contratar outros para terminar seus animes dentro do prazo, todos os episódios são feitos inteiramente pelos seus funcionários (in-house). O ambiente de trabalho, pelo que os funcionários de dentro informam, parece ser bem melhor que o dos outros estúdios. Fora a staff que vem da escola de animadores, eles também costumam contratar diretores e animadores freelancers ou de outros estúdios que se destacam positivamente na visão deles. 

Lembro, no entanto, que a Kyoto só tem o time que mexe com a parte artística como parte fixa do estúdio. Os roteiristas e compositores musicais de seus animes são sempre freelancers que trabalham com outros estúdios.

Curiosidade: A maioria do estúdio (80%) é composto por mulheres.

O Ufotable não tem uma staff cheia de gente talentosa como a Kyoto Animation, e em quase todos os seus animes ele tem que chamar animadores freelancers especializados para cobrir buracos. Ainda assim, ele tem bons diretores de episódio e procura manter um prazo de produção acima da média, de modo que seus animes pareçam mais bem acabados e consistentes comparado a maioria dos outros estúdios. Outro fator é que a empresa tem uma parte do estúdio dedicado apenas a processamento digital, o que acaba gerando muito 3DCG em seus animes (ele tem que dar trabalho para os funcionários especializados nisso), principalmente de efeitos especiais, e um uso pesado de filtros na pós-produção, que costumam deixar deixar os backgrounds mais bonitos e bem acabados, e os personagens mais destacados no cenário, até lembrando modelos em CG de vez em quando.  Isso obviamente deve custar um pouco mais caro e reduz o lucro do estúdio, mas é uma decisão dos acionistas e gerencia para manter a qualidade visual um pouco mais elevada.

Infelizmente em 2015 a empresa começou a mudar sua metodologia de trabalho e ao tentar produzir 2 animes no mesmo ano o segundo deles acabou com sérios problemas, desde contantes adiamentos de episódios até erros grosseiros na parte visual devido a falta de tempo na produção.

Como um estúdio ganha dinheiro?

Na maioria dos casos, principalmente de adaptações, os estúdios recebem uma quantia X da produtora principal (Aniplex, Pony Canyon, TOHO, etc) para produzir o anime, como um prestador de serviços comum. Se o BD do anime vai vender bem ou mal é normalmente problema da produtora, o estúdio dificilmente perde muito com isso, já que mesmo quando ele investe parte de seu capital na produção de adaptações para anime, o investimento costuma ser baixo, e ele não recebe muito da porcentagem dos lucros ou prejuízo das perdas. Por isso que é normalmente dito que para um estúdio ter um lucro real com as vendas de uma adaptação o BD precisa vender muito, já que ele recebe muito pouco por BD vendido.

Formas de um estúdio ganhar dinheiro:

1 – Contratos de trabalho, prestação de serviços. Basicamente uma produtora pagando um valor fixo para ele produzir um anime X ou ele sendo sub-contratado para produzir alguma parte de um anime que outro estúdio está fazendo. O lucro é baixo mas é o método mais seguro de um estúdio se manter.

2 – Adaptações de outras mídias (mangá, LN) para anime que ele adaptou vendendo muito bem, e ele recebendo uma parte dos lucros, mesmo que pequena. Imprevisível, lucro médio.

3 – Animes originais. Neles o estúdio costuma investir bem mais na produção, e, portanto, recebe uma parcela maior dos lucros. Sem falar no direito a porcentagem da venda de figures, camisas, ect, tudo relacionado a obra. No caso de uma adaptação isso costuma ir para o autor, editora e produtora, mas no caso de animes originais o estúdio costuma ganhar uma boa fatia (exemplo: Sunrise com a franquia Gundam, Code Geass e Love Live). Mais arriscado, mas é o que mais gera lucro.

Formas de um estúdio perder dinheiro e, ou, falir:

1 – Falta de contratos de trabalho devido a muitos fracassos comerciais produzidos nele ou qualidade de produção duvidosa, o que desincentiva produtoras grandes a passarem obras para ele adaptar.

2 – Investimentos do capital do estúdio em diversas adaptações ou animes originais que falharam comercialmente.

O estúdio é importante? É, ainda mais porque um estúdio com muitos funcionários experientes, talentosos, ou, em uma boa fase, pode oferecer uma base sólida mesmo que o diretor e o revisor de animação do anime sejam inexperientes, e no caso do diretor já ser experiente a obra pode sair ainda melhor se ele tiver uma ótima staff, sem ter que ficar se preocupando em cobrir buracos com freelancers que conhece. Agora, não se deve colocar todo mérito de um anime bem ou mal sucedido em cima do estúdio apenas, ainda mais se ele tiver uma staff totalmente diferente para cada anime, como a A1-Pictures. A Madhouse, por exemplo, teve 1 péssima produção em 2014, 1 mediana e 2 boas (coisa similar já aconteceu na J.C Staff, Production I.G, ect). Se a política de confiar inteiramente no estúdio fosse eficaz um estúdio não deveria variar desse jeito, mas quase todos eles, tirando a Kyoto Animation, variam. Então não olhe apenas o estúdio, olhe primeiro a staff principal (diretor, designer de personagem/chefe de animação), veja o que eles fizeram antes, junte isso ao padrão de produção que o estúdio vem apresentando nos últimos 2 anos e você terá um resultado mais palpável, do que colocar tudo nas costas de um estúdio, que pode estar usando apenas 20% dos seus próprios funcionários naquela produção. Tem também o fator do produtor (quem banca o anime) a ser considerado, mas isso fica para outro post.

Conclusão resumida: Não olhe só para o estúdio quando ver um anuncio de anime! Se preocupe com a staff primeiro! estúdio, embora também seja importante, é secundário. Gritar o nome do estúdio quando não gosta de alguma coisa que observou quanto ao roteiro costuma ser sem sentido também. Você não reclama com o estúdio de um filme ruim, você reclama do diretor e produtores com controle criativo. Pra animes é quase a mesma coisa.

PS: Se querem saber os animes que um estúdio produziu nos últimos anos o jeito mais fácil de pesquisar é colocar, exemplo: “Shaft Wiki” no google e entrar na wiki AMERICANA, lá deve estar listado todos os animes produzidos em ordem.

Relacionado:
Animação boa X Animação ruim, como diferenciar.

Um suspense psicológico testando os limites de cada ser humano, ao mesmo tempo que uma reflexão sobre o valor da vida e os julgamentos que fazemos das pessoas.

Pessoas sem memória do que fizeram nas últimas horas de repente se veem em um bar com apenas um barman de cabelo branco e uma garçonete. Lá eles são obrigados a jogar um jogo apostando suas vidas, aonde perder ou ganhar não necessariamente vai salva-los.

Death Parade começa com casos episódicos psicologicamente instigantes, e, consideravelmente variados. Em cada um deles pessoas com diferentes personalidades e experiencias de vida tem seu psicológico testado ao limite, através de jogos comuns misturados ao sobrenatural. Os casos em geral conseguem manter um ar de suspense intermitente ou até tensão (ep 8 e 9) enquanto os participantes vão reganhando suas memórias e você tenta adivinhar o que aconteceu com o personagem antes que ele se lembre de tudo. 

Embora pareça um anime sem um plot, isso muda no episódio 7, aonde até os casos episódicos anteriores passam a servir a um proposito maior, que é, basicamente, testar o protagonista, Decim. O mundo vai sendo expandido em alguns episódios e o método de julgamento cada vez mais contestado, afinal, “deixar a pessoa no limite realmente mostra quem ela é por dentro?”. Como resultado, Decim vai ficando mais humano, e Chiyuki, a protagonista feminina, cada vez mais ciente de sua situação.

O primeiro caso quase me fez pensar que só teriam casais ou pessoas de índole ruim sendo julgadas, mas não é só no lado negro do ser humano que o anime está interessado em mostrar, como o terceiro e sexto episódio provam. Tem casos tristes, bonitos, frustrantes, pesados e até um super engraçado. Tem também a questão de “quem foi para onde?”, algo que o anime dá dicas mas só é visualmente confirmado no episódio 11. Depois dele é só voltar para os finais de cada episódio para confirmar os resultados de todos os julgamentos.

Não vou dar spoilers pesados do que exatamente acontece no anime, mas apartir daqui comento quais episódios foram mais impactantes ou se o final foi tão bom quanto eu esperava, mediano ou fraco, e como cada personagem evoluiu, o que alguns podem considerar “spoilers leves”, fica avisado.

De todos os casos apresentados os que mais gostei foi o do episódio 6, por quebrar minhas expectativas (e me fazer rir muito) e o do episódio 8 e 9 (do qual até fiz um pequeno review isolado), por ser o que mais me instigou emocionalmente. Foram diversas emoções diferentes e mudanças de perspectiva em apenas dois episódios, fora o final ser bem forte também. Já o último caso eu achei simples demais, eu realmente esperava um twist forte ou algo impactante nas memórias da protagonista feminina, mas o que acaba sendo entregue é um caso didaticamente simples, ainda que de margem a uma boa reflexão sobre o valor da vida e seja apresentado em uma sequência lindíssima de dança no gelo. 

Ao final, a obra não consegue trabalhar a fundo todas as questões que levantou em seus 12 episódios, e não consegue um climax de encerramento tão forte ou impactante como pensei que teria. Ainda assim, o “arco” de Decim com Chiyuki é resolvido de forma satisfatória, em um dos episódios mais bonitos do anime, mesmo que sem nenhuma grande surpresa em seus acontecimentos. Chiyuki se arrepende do que fez, repensa as coisas que disse anteriormente e entende o valor da vida, já Decim, aprendeu o valor dos sentimentos e de tentar entender as pessoas, ao invés de simplesmente joga-las em situações extremas enquanto observa como irão reagir. Só o tempo dirá se isso vai fazer dele um arbitro diferenciado, ou pelo menos mais justo, mas acho que é indiscutível que para se julgar humanos é necessário no mínimo entender suas emoções, diferente do que que as regras dos árbitros propõem inicialmente. E assim o anime termina, com alguns fechamentos e evoluções de personagem, mas sem necessariamente dar uma conclusão para todos os sub-plots que criou (até porque isso exigiria mais de 12 episódios).  

A direção e roteiro (Yuzuru Tachikawa) de Death Parade apresentam casos muitos interessantes e em geral bem trabalhados. É suficientemente provocante para quem gosta de pensar sobre o que está assistindo e quando a pessoa já está começando a ficar cansada dos casos episódicos o roteiro expande o mundo e apresenta um plot real por trás daquilo tudo. Com mais tempo eu creio que a obra poderia dar um sentimento de conclusão melhor as ideias trabalhadas.

A animação é sensacional com vários episódios cheios de fluides e expressividade nas partes mais emocionais, e vale dizer, com um excelente controle de “câmera” da direção e storyboard. Esse deve ser um dos animes para TV mais bem produzidos pelo estúdio Madhouse. Mérito para o freelancer Shinichi Kurita, revisor de animação e designer de personagens, pela consistência na animação de todos os episódios. E a Takashi Kojima, um animador freelancer amigo do diretor, as partes mais visualmente impressionantes em fluides são quase todas trabalhos dele. O único porém é que algumas dessas partes emocionais acabam ficando trashs (exemplo), graças ao exagero na representação emocional de alguns personagens.

A trilha sonora faz um bom trabalho, chegando até a se destacar de vez em quando. O uso da ending em um determinado episódio também é inspirado, ainda mais se você prestar atenção na letra da música e liga-la ao que acontece no final do episódio.

Death Parade é um anime muito bom para quem se interessa pela análise e observação do “psicológico” humano quando em situações extremas. Ele também faz uma reflexão interessante sobre a justiça no ato de julgar as pessoas quando contesta a validade de sua própria proposta. O trabalha com dois principais personagens é satisfatório, fechando bem o anime, ainda que deixe questões em aberto. Gostaria de um pouco menos de exagero na explosão emocional de alguns personagens (ep 1 e 4 principalmente) e uma conclusão mais fechada e impactante, aonde a história da Chiyuki não seria tão simples quanto parecia e aquela mudança do Decim iria gerar consequências significativas ao sistema. Fora isso, gostei muito do anime. Para quem procura os tão falados animes com foco em “psicológico” ou “jogos mentais”, esse aqui é uma boa pedida.

Direção/Roteiro: 9/10

Animação: 9/10
Soundtrack: 9/10

Entretenimento: 7.5/10

Nota final: 8.5/10

Trailer do anime:

Eh… eu não sei se tenho muito a dizer sobre esse final. Não foi ruim, na verdade foi até um bom fechamento para uma história dessas (até alguém aparecer e sequestrar a namorada de alguém), mas… Parasyte acabou decaindo no meu conceito nesses últimos episódios, então acabou terminando com um gostinho meio amargo.

No entanto, foi um bom anime a maior parte do tempo, e isso ninguém pode negar. Por mais que um final acabe pesando bastante na conclusão de alguém sobre a série, acho que Parasyte continua uma boa pedida para animes do seu gênero. Então, enfim, foi um anime legal de acompanhar.

Motivos para Assistir: Parte técnica sólida, bom ritmo de maneira geral, bom crescimento de personagem principal, temática um tanto refrescante, Migi é bem carismático, final fechadinho.

Motivos para não assistir: Fora Migi, Shinichi e Ryouko, o resto do elenco é meio apagado, segunda metade fica devendo em relação à primeira, principalmente na pate final, “Você é Shinichi-kun?”, nenhum aspecto muito criativo na direção e arte

Para um anime que já confirmaram segunda temporada e filme, Garo fechou as pontas até demais. 

Esse ultimo de Garo fez tudo que um final deveria fazer e mais um pouco. Não aconteceu nada de surpreendente, mas ao mesmo tempo foi bem satisfatório. Tivemos a luta entre Mendoza e Leon, finalmente de uma maneira digna, diferente da ultima vez, e com uma resolução mais definitiva. Com um corpo que virou imortal e se reconstruía a cada ferimento, a solução de foi prendê-lo para que ele não causasse problemas ao mundo humano. 

Garo teve uma resolução que remeteu todas temáticas do anime: a luta para proteger os outros e o relacionamento dos personagens entre si, com destaque com Leon com os seus pais. A cena da mãe dele aparecendo, mostrando como ela morreu e seu ultimo ato de amor pelo filho foi bem tocante, assim como Leon se despedindo de German. 

Uma pena que o final acabou não explicando algumas coisas, como o funcionamento das magias e similares (afinal, como diabos aquelas “chamas” no Leon funcionava?) mas isso nunca foi o ponto forte da série. A animação como esperado foi tão boa ou melhor que no episódio passado, fazendo o episódio ficar bem bonito visualmente. Além disso, as cenas finais mostrando como ficou a vida de cada personagem foi muito amável. 

Garo teve muitos problemas no meio série, mas no geral acabou terminando tão bem que é difícil não achar o saldo positivo. No final, gostei bastante do anime, de seus personagens e fico feliz por não tê-lo abandonado na metade.

Motivos para assistir: História redonda (mesmo com as sequências já anunciadas), todo o elenco principal acaba cativando e se desenvolvendo em algum momento, bom crescimento de personagem principal, o episódio 17 (sim, considere ver o anime por isso), aberturas do JAM Project (sim, considere isso também), OST e ambientação boas, a reta final é mais forte que o resto do anime.

Motivos para não assistir: Qualidade dos episódios bem irregular (tanto em animação quanto em outros aspectos), o character design pode afastar alguns, o formato episódico prejudica a série em alguns momentos, a caracterização do Leon na primeira metade é bem fraca, mesmo com as pontas principais fechadas alguns detalhes fica sem explicação.

 Ilustração comemorando o final de Garo. É um amor, MAS OLHA ESSES SPOILERS!

E NA PRÓXIMA TEMPORADA:

Kekkai Sensen, anime novo da BONES com altas confusões Nova York e…

Owari no Seraph, o anime nova da WIT com vampiros que escravizam criancinhas. 

Eu sei que esses raios foram só para dar impacto, mas ainda é muito “HÔ? Foi uma escolha estranha. 

Ema e Leon ainda são um casal estranho, mas esse beijo foi muito bonito.

NÃO, PRA QUE MOSTRAR O SHINICHI SE ESGOELANDO ASSIM? QUEREM QUEBRAR MEU CORAÇÃO? NÃO AGUENTO OUVIR HOMEM CHORANDO! ;-;

Eles foram para o futuro? Mendoza pode viajar no tempo? É por isso que ele ficou tão velho de uma hora para a outra? Sério, achei isso curioso.

Já me perguntaram mais de uma vez o que seria um episódio digno de nota máximo nas análises semanais. Bem, os dois últimos excelentes episódios de Death Parade com certeza são bons exemplos de como “fazer o que a obra se propõe” de forma memorável.

Death Parade vem ficando bem interessante em sua segunda metade. O que parecia um anime episódico com um ou dois episódios explicando seu mundo acaba revelando no episódio 7 ter um plot maior por trás de tudo. Todos os julgamentos até o presente momento servem a um proposito superior, que é descobrir se Decim, um arbitro com emoções humanas, pode ser uma melhor opção ou não que os outros. Alias, é um tanto quanto irônico que o arbitro mais frio até agora seja o que tem emoções – apesar dele já ter as demonstrado.

O último caso, dividido em 2 episódios, foi provavelmente o melhor da série até aqui, em todos sentidos: animação, storyboard, roteiro, OST e direção. Como você julga um assassino? Claro, casos como Dexter (seriado americano) aonde o assassino é gente boa e só mata pessoas ruins (bem, até certo momento) são fáceis de serem julgados pelo público, mas Death Parade não vai por essa vertente de fácil aceitação. Ao invés disso assistimos a dois seres humanos inicialmente bons serem degradados pelas experiencias que viveram ou por pessoas que conheceram.

As emoções foram várias nesses dois episódios: surpresa, raiva, compaixão, aflição, pena, asco, tinha de tudo. Quando eles revelam que assassinos vão ser julgados pensei inicialmente em pessoas ruins, como o cara que espancou e estuprou a garota. Qual minha surpresa quando os dois assassinos são pessoas querendo vingança por um ato vil que foi cometido contra eles e não necessariamente pessoas de má índole. Fui inicialmente complacente ao ato, como sou a pena de morte (se não demorassem 10 anos pra matar cada pessoa…….), mas o que começou como uma vingança para o detetive o modificou. Ele que não tinha mais propósito na vida depois de ter sua vingança decide que teria a de outras pessoas também. 

Não vou entrar no mérito de matar alguém que mata ser certo ou errado aqui, mas particularmente não me importo quando um criminoso é morto, pelo contrário. O detetive, no entanto, não queria ajudar os outros, ele queria apenas satisfazer seu desejo de matar mais pessoas que julgasse “ruins”, e pra isso valia tudo, até deixar uma garota ser espancada e estuprada na sua frente, para que tivesse algo palpável que justificasse, em sua avaliação, matar o individuo. Pegando a frase dele mesmo, “se você não pode mudar o mundo então tem que mudar a si mesmo”, ou seja, suas noções de certo e errado foram completamente refeitas e ele se tornou o que se tornou, um cara frio que acha justo deixar uma garota ser violentada para que ele pudesse ter o “direito” de matar o culpado depois. Graças a isso fica quase impossível para o público simpatizar com ele apartir da segunda metade do episódio. 

Notem a virada, você fica com pena do detetive e bravo – ou pelo menos frustrado – com o garoto por ter matado ele “sem querer”. Um tempo depois você está revoltado com o detetive e talvez até conformado pelo garoto te-lo matado. E enquanto a situação que o garoto se encontra é compreensível você torce para que ele não ceda a tentação no final, o que infelizmente não acontece. As viradas do enredo brincando com as emoções do público foram genias no roteiro desses últimos 2 episódios, e demonstram como um pequeno detalhe não revelado pode mudar todo o modo como você enxerga ou mesmo julga a situação.



Achei curioso também como esse episódio não dá respostas quanto ao julgamento, mesmo quando a mesma parecia ser o objetivo central (“como Decim irá julgar dois assassinos?”) – apesar de eu achar que foram os dois para o limbo. Como o próprio método de julgamento foi questionado eu imagino que não revelaram nada para deixar o público fazer seu próprio julgamento (ou tentar), e talvez voltem a questão no próximo episódio. Atiçar as emoções mais vis do ser humano revela quem ele realmente é? As pessoas fazem besteiras quando o sangue sobe a cabeça, mas isso significa que elas são ruins? Uma pessoa realmente boa não teria sido corrompida a matar, ou, mais precisamente, não teria “caído em tentação”? Creio que é isso que o episódio quis mostrar e questionar: como pessoas inicialmente boas podem ser quebradas por suas ações, emoções ou mesmo por outras pessoas; o que nos leva ao final, aonde o detetive, que já havia sido corrompido, instiga o outro garoto até que o mesmo quebre também, apesar dos esforços da garçonete para tentar salva-lo. Definitivamente dois episódios fascinantes para quem gosta de ficar remoendo o que assiste, dando muito no que pensar. 

E agora, o que vem por ai? Decim parece ter sentido alguma emoção muito forte nesse episódio quando questionado sobre seus métodos de julgamento. Agora falta julgar a garçonete, algo que deve acontecer até o fim do anime. 

Avaliação: ★ ★ ★ ★ ★

PS: Comentei esses episódios porque me impressionaram muito positivamente, não devo fazer o mesmo com os outros, mas deve ter um review quando o anime acabar.

Extras:

Que final sensacional com o personagem quebrando internamente ao mesmo tempo que soltam a ED e mostram flashbacks dele com a irmã. 

O final do episódio 8 foi nota 10 também.

Senti pena dessa garota… Além de ser traída morreu sem nem saber o que a atingiu.

“Nós prevenimos pânico.” ESSA IMAGEM resume bem o episódio de Parasyte

Alguém sofreu um pouco com a idade. Não, sério, o que diabos aconteceu com você, Mendoza?